Истинное произведение искусства это лишь тень божественного совершенства что значит
Афоризмы об искусстве и культуре
Еще древних философов восхищала человеческая способность творить. Одни считали ее даром Божьим. Другим такая особенность казалась проклятьем. Не было лишь равнодушных.
Что по этому поводу думают сами творческие личности? Разобраться помогут высказывания и цитаты об искусстве, при помощи которых великие люди однажды выразили свое мнение.
Творчество и мироздание
Современный темп жизни оставляет человеку совсем немного времени, чтобы насладиться красотой мира. Порой только настоящим творцам удается отвлечь людей от суеты повседневности, обратить их внимание на истинные ценности и заставить задуматься о вечном. Этой теме и посвящены многие великие цитаты об искусстве.
О роли живописи
Истинным художникам всегда есть, что сказать миру. Из глубин своего сознания они являют на свет оригинальные мысли, которые поражают, восхищают и вдохновляют окружающих, лишний раз напоминая о творческом потенциале, заложенном в каждом человеке.
Представляем некоторые цитаты художников об искусстве, которые могут вызвать интерес у читателя.
Цитаты великих художников об искусстве и себе
О роли музыки
Считается, что музыка – голос Вселенной. Не удивительно, что человеческая способность ее сочинять является одной из самых прекрасных и необъяснимых.
Писатели об искусстве
Цитаты о культуре и искусстве
О важнейшей роли искусства в жизни общества говорили многие выдающиеся умы человечества. Этому вопросу посвящены труды писателей, философов, ученых и общественных деятелей. Высказываются различные мнения, которые, по сути, сводятся к общему выводу: без способности видеть прекрасное и творить человек утратит свою сущность. Предлагаем вниманию читателя цитаты об искусстве, а также изречения великих людей по этому поводу:
Творчество и прогресс
Следующие цитаты об искусстве и его неразрывной связи с наукой также показывают значительную роль творческой составляющей в развитии человеческого общества.
Архитектура – музыка, застывшая в камне
Творчество окружает человека повсюду. Архитектура является одним из самых его древнейших направлений. И пусть немногочисленны цитаты об искусстве, воплощённом в камне, тем они интересней.
Что такое искусство?
Что такое искусство?
Искусство это тень божественного совершенства.
Микеланджело.
Искусство это ложь, которая помогает нам понять истину.
Пабло Пикассо.
Искусство должно выражать любовь, иначе это ничто.
Марк Шагал.
Задача искусства смыть пыль с будней наших душ.
Пабло Пикассо.
Искусство завершает то, что не под силу завершить природе.
Аристотель.
В девяностых годах мне довелось проживать в Америке. Однажды по телевизору промелькнула история про чудо-слона из зоопарка Сан-Диего. Перед слоном устанавливался мольберт с холстом и ведра с красками. Слон, зажав кисточку в хоботе, обмакивал ее в краску и лихо водил по холсту. Его работы продавались по 1000 долларов.
Cлон не единственный гениальный представитель фауны. В 50-ых годах прославился шимпанзе по имени Конго, поклонником которого являлся сам Пикассо. Конго поражал публику богатством палитры своих работ. Не секунды не сомневаюсь, что в саваннах и джунглях Африки проживают многие другие чудо-звери, еще не открытые.
Я лично знакома со многими художниками человеческого происхождения, не менее талантливыми, чем слон, или обезьяна по имени Конго, которым не всегда удавалось достигнуть подобного успеха.
После передачи про слона, меня снова стали атаковать вопросами: какова художественная ценность работ слона и есть ли такова; как понимать современную живопись? Как оценить то или иное произведение искусства, и что является искусством?
К «допросам» подобного рода я давно привыкла. Это происходит постоянно, стоит кому-либо узнать, что я художница. Обычно я объясняю, что современную живопись нужно воспринимать в контексте времени, что необходимо сначала ознакомиться с манифестом художника, с его эстетической философией, с особенностями стиля, в котором он работает.
Как правило, я говорю про дадаизм, супрематизм, конструктивизм и еще несколько «измов», и, в конечном счете, убеждаю своего собеседника, что он дилетант и невежда в области современного искусства. Таким образом, мне удается внести свою лепту в распространение мифа об элитарности модернизма и недоступности его широким массам. Но сама я мало верю тому, что говорю, и с каждым годом убедить себя становится все сложнее.
Особенности современного искусства всегда были темой бурных дискуссий в среде художников и их коллег. Совсем недавно я столкнулась со своей старой подругой – обладательницей доктората в искусствоведении.
Моя приятельница со мной согласилась. Она сказала, что «искусство это, то, что выставляется в галереях, музеях и других публичных местах». Она цитировала, если не ошибаюсь, одного из руководителей Тель-авивского музея.
Определения более абсурдного по формулировке и по смыслу, а главное из-за их отсутствия, приходилось слышать не часто.
Кроме того, в наше время можно арендовать галереи, театральные холлы и другие помещения под любой вернисаж. В период «перестройки» в России можно было снять престижный музей. Поэтому, как и где выставляется работа, ничего не говорит о ее художественной ценности.
Это положение верно также по поводу других видов искусства. Сегодня за небольшую плату можно издать любой роман, выпустить музыкальный диск, поставить спектакль и даже снять фильм. С помощью успешной рыночной стратегии и PR, (то что называется в народе «раскрутить), можно создать автору имя и обеспечить коммерческий успех. Так что цена работы также не определяет ее ценность.
Как же судить? Каким комментариям, каких критиков верить? Каковы критерии в оценке художественного произведения? Как отличить подлинное искусство от дешевой претензии на него? И, вообще, что такое искусство?
Искусство это способ самовыражения мировоззрения автора, его идей, впечатлений, эмоционального состояния, взглядов на те или иные события или явления с помощью творческого метода, технике и средствам, свойственным определенному виду искусства.
Разумеется, каждому виду творчества свойственны свои средства, материалы и инструменты, с помощью которых скульптор ваяет, музыкант играет, художник пишет и поэт сочиняет стихи. Нет особого смысла останавливаться на этой теме и перечислять все то, что служит автору для созидания своих произведений. В живописи это краски, кисточки, растворители, лаки, холсты, грунтовки и многое другое, что принято называть английским словом “media”.
Один из важных критериев в оценке художественного произведения является мастерство исполнения. В мире проходят конкурса на лучшего пианиста, скрипача, вокалиста, танцора и т.д. Жюри определяет победителя, прежде всего по виртуозности его исполнения.
Мастерство, то как художник или скульптор владеет техникой, не менее важно и в изобразительном искусстве.
Техника это и есть умение написать лошадь, существующую в действительности, на плоской поверхности; передать сходство, грацию и силу этого животного. И не нужно пренебрегать лошадью. Леонардо да Винчи посвятил ей множество эскизов, Рубенс держал специального мастера для написания лошадиных крупов.
Для того чтобы преуспеть в мастерстве живописи необходимо знать теорию цветов; законы композиции, частью которой, например, является понятие о золотом сечение. Нужно уметь смешивать краски механически, или оптически; владеть законами перспективы. Желательно ознакомиться с технологией производства грунтовки, пигментов, растворителей, лаков и других материалов, которые обширно используются в живописи. Представители классической школы считают, что знание анатомии является необходимым условием в образовании художника или скульптора.
(Следует отметить, что великие мастера эпохи Возрождения анатомию не изучали. Хотя церковь и позволяла художникам присутствовать при вскрытиях тел казненных преступников, подобные занятия не поощрялись.
Леонардо да Винчи под покровом ночи торопился в анатомический театр, потому что анатомия интересовала его как наука, а не в целях живописи.
Известно, что Микеланджело использовал мужскую натуру, поэтому и женщины у него получались несколько мужеподобными).
До 20-ого столетия критика искусствоведов сводилась к оценке мастерства художника. Например: критики упрекали Энгра в анатомической неверности его образов – чрезмерно удлиненная спина у «Одалиски».
Особое внимание отводилось теме работы и интерпретации автора известного мифа или библейского сказания, настроение и характер образов, атмосфера времени, историческая правдоподобность. Искусствоведов всегда занимало, кто позировал художнику, хотя лично я, как художница, до сих пор не могу понять, какое это имеет значение. Художникам не всегда нужна модель, если нет цели передать сходство с конкретной личностью. Художник – создатель, творец. Рафаэль сам искренне признался, что никогда не встретил женщину, которая послужила бы ему прообразом его мадонн. Они плод его воображения.
В 20-ом веке распространилось мнение, что изобретение фотографии уничтожило необходимость в реалистической живописи и тех технических навыках, которые накапливались веками от Пьеро дела Франческа до Ван Дейка и Рубенса. Действительно, что должен был знать или уметь Дюшамп, чтобы выставить писсуар под названием «Фонтан», как очередной шедевр?
Всё же, не думаю, что фотография оказала такое пагубное влияние на классическую живопись. Это утверждение сильно преувеличенно. Первые фотографии, маленькие и нечеткие, не могли сравниться с большими, красочными полотнами Делакруа и Давида, которые создавались приблизительно в тот же период времени, что и появление фотографии.
Это несколько упрощенный взгляд на вещи. Скорее всего, неореализм французской школы на тот момент себя исчерпал, достигнув вершин мастерства. Художникам пришлось искать новые пути для самовыражения. Наверняка, социальные факторы сыграли более значительную роль, чем предполагается.
Как художница и преподаватель живописи, исходя из собственного опыта, могу сказать, что реализм не является точной копией действительности, а личным восприятием автора.
(Если поставить керамический горшок перед группой из 10-ти студентов, то каждый напишет этот горшок совсем по-другому. Иногда зарисовки одного и того же предмета настолько отличаются друг от друга, что я начинаю сомневаться, все ли писали тот же объект).
В последние десятилетия явно намечается тенденция возврата к реализму, к академической живописи. В ведущих галереях крупных городов мира все чаще можно увидеть такие стили как гиперреализм, или фотонатурализм.
В Нью-Йорке я столкнулась с группой художников, которые пытались изучать технику, сочетающую яичную темперу с многослойным письмом. Этой техникой последним пользовался Рубенс.
Так что мастерство, вне зависимости от мимолетных увлечений и модных тенденций, всегда будет одним из основных слагающих того, что мы называем искусством.
Творческий метод.
Творческим методом или языком называются особые приемы, которыми пользуется автор для создания своего произведения.
Этот язык досконально изучен и систематизирован в музыке в литературе, балете, опере, драме, и, в частности, в поэзии. Например, в России уже в средней школе изучают, что такое рифма, ритм, ямб, хорей, анапест, аллитерация, метафора, сравнение, гипербола, аллегория, и т.д. – (целый словарь специальных терминов), что позволяет анализировать и понимать поэзию более глубоко и досконально.
Критики служат посредниками между произведением и зрителями, которым сложно разобраться самостоятельно. Чем картина или скульптура более абстрактны, интерпретация ее более свободна. Обойтись без помощи доктора наук, который объяснит связь, или скорее ее отсутствие, между идеей художника и происходящим на холсте, (в пространстве), просто, невозможно. В подобных обозрениях чем больше слов, латинского происхождения, тем сильнее впечатление интеллектуальной изощренности работы.
Метафора в живописи создается с помощью изменения цвета, формы и функции объекта. Характерным примером можно назвать изогнутые часы Дали, летающие фигуры Шагала, овцы Кадишмана. Они окрашенные художником во все цвета радуги, что не совсем соответствует действительности.
Художественный прием, именуемый стилизацией, на протяжение многих веков является определяющим стиль
Стилизация – это обработка, изменение, искажение объекта определенным образом. Зачастую это упрощение определенных качеств данного предмета, или смещение акцентов.
Эпохи, периоды, стили от древнего Египта до кубизма и наива отличаются друг от друга способом «искажения» знакомых нам форм. Характерный профиль древних египтян невозможно перепутать с вытянутыми ликами византийских святых.
Стилизация широко использовалась художниками 20-ого века. Ее применяли Матисс, Пикассо, Шагал, Модильяни, Джакометти, Ботеро и многие другие – практически большинство известных и не очень известных художников.
Оригинальность, новизна такой стилизации во многом определяет достоинства того или иного художника, скульптора.
Стилизация распространенна также в графике, дизайне, архитектуре и других областях прикладного искусства.
Согласно словарю Webster абстракция – это отсутствие конкретных форм.
В живописи это способ передать необходимые художнику пейзаж или сцену, избегая детального изображения.
Любой художник, который когда-либо писал природу, знает, что невозможно изобразить каждую ветку, листок, изгиб волны, следы на песке. Специальные эффекты, а иногда инструменты, (например: кисточка–веер), которыми пользуется художник, для того чтобы создать нужное ему впечатление и есть абстракция, (не путать со стилем, который называется абстракционизм).
В знаменитых «Прудах с кувшинками» Моне не выписан ни один лепесток этого цветка – так пятна, штрихи. Это и есть та абстракция, без которой не обойтись художнику, в каком бы стиле он не писал, (кроме фотонатурализма и гиперреализма).
Вот несколько основных приёмов, применяемых в изобразительном искусстве. Они доступны пониманию зрителя, в отличии от законов композиции, например, в которых разобраться может только специалист.
Этого достаточно чтобы посмотреть на произведение немножко другими глазами. Безусловно, художники пользуются и другими методами, которым лишь предстоит быть изученными и классифицированными, потому что до сих пор никто этим серьезно не занимался.
20-ый век определил новые критерии в изобразительном искусстве. Кроме того, что модернизм сделал серьезную попытку интеллектуализировать живопись и скульптуру, он предал особую ценность новаторству идей художника. Художники, сумевшие найти свой уникальный стиль, или более того утвердить его как модное течение, как Пикассо кубизм, Дали сюрреализм, Кандинский абстракционизм, Малевич супрематизм, Andy Warhol поп-арт, занимают особое место в истории искусства. Способность стать законодателем в живописи или скульптуре, где есть свои модные тенденции, придает особую ценность работам, а их авторам открывает дорогу к славе, признанию, богатству.
С термином эстетика в изобразительном искусстве существует определенная путаница. С начала 20-ого века оно стало применяться в контексте творческого кредо, философии автора. С другой стороны «эстетика» является синонимом прекрасного. Когда мы говорим об эстетичности работы, имеется ввиду насколько произведение приятно для нашего глаза. Эта способность работы поразить, загипнотизировать зрителя, довести до легкого расстройства известного как «синдром Давида», (чувство собственной неполноценности, возникающее у некоторых посетителей Флоренции), не является чем-то случайным. Гармония формы и цвета определяется соотношением пропорции объектов на картине или в скульптуре. Это было известно художникам давно.
Начиная с эпохи Возрождения математики и художники пытались рассчитать идеальные пропорции. Возрос интерес к «золотому сечению», известному с Эвклидовских времен. Кстати, это сечение, (пропорциональное деление отрезка на неравные части, при котором весь отрезок так относится к большей части, как сама большая часть относится к меньшей; или другими словами, меньший отрезок так относится к большему, как больший ко всему), «золотым» назвал Леонардо да Винчи. Оно часто встречается в животном и растительном мире. Также пропорции человеческого тела соответствуют золотому сечению.
Считается, что объект, будь то ракушка, ящерица, или женское лицо, несущие в себе золотое сечение, обладает особым, чуть ли не гипнотическим свойством, привлекать внимание.
Тем не менее, только сегодня математики начинают поиск алгоритмов прекрасного, базирующихся на формах и пропорциях.
Но идеальных пропорций недостаточно, чтобы придать работе «гипнотические» свойства. Цветовое и световое решение не менее важно. Известно, что если цветовая гамма картины верна теории дополнительных цветов, то это произведение особенно привлекательно для наших глаз. Художники-импрессионисты широко использовали этот метод. Также контрасты между светом и тенью имеют завораживающий эффект. Работы Караваджо и Рембрандта подтверждают это.
И, тем не менее, никто точно не знает как «приворожить зрителя». Очевидно, формулы идеальных пропорций и секреты цветовых сочетаний так и не разгаданы учеными.
Некоторым из нас, одиночкам, это дано свыше – некое чувство прекрасного, которое водит рукой мастера. Какие расчеты могли подсказать Микеланджело, сколько и где мрамора стесать, чтобы получился Давид? Только внутреннее чувство, которое и есть гениальность.
Художники времен Ренессанса руководились философией Платона, которая утверждает, что прекрасное олицетворяет божественность. В последствие такой подход стал на долгие годы основным мотто в живописи.
Модернизм, который по сути своей является бунтов против классической живописи, против красоты, заклейменной «безвкусицей и китчем», на самом деле ничего не изменил. И кубизм, и абстракционизм подчиняются тем же законам композиции.
Оглядываясь назад на шедевры искусства созданные Микеланджело, Тицианом, Караваджо, Рубенсом, Рембрандтом, Вермером, Роденом, Шагалом, Дали и т.д. легко определить, что общее между ними это, захватывающее дух, прекрасное.
Мы воспринимаем произведение, прежде всего, визуально, как, в принципе, окружающий мир вообще. Картина воспроизводит действительность, неважно в каком стиле она исполнена, даже если работа создана в стиле экспрессивного абстракционизма в духе Д. Поллака. В конце концов, и в природе можно найти случайное сочетание цветовых пятен, радующее глаз: рисунок на мраморе, переливающиеся блики кристаллов, масляные пятна на асфальте и т.д.
Достаточно мимолетного взгляда чтобы определить нравится ли нам закат над морем или поле, поросшее маками. Точно так же с изображением на холсте. Если первое впечатление мне ни о чем не говорит, если мне не хочется задержать взгляд, затаив дыхание, застыть перед полотном, я не стану вникать в смысл работы, не поинтересуюсь теми великими мыслями, которыми она пронизана,
личностью художника, или его мировоззрением.
Еще раз подчеркиваю, что это мое личное мнение и мое личное отношение к живописи и скульптуре. Из многочисленных бесед с коллегами, друзьями, учениками знаю, что и другие воспринимают изобразительное искусство точно так как и я.
В заключение: прежде всего живопись, скульптура, графика, дизайн должны доставлять эстетическое удовольствие. Это условие их существования.
Известная певица Мадонна, олицетворение поп-культуры, как-то в интервью сказала, что она не бог весть какая певица, что она не обладает дивным голосом, и что ее заставляет сочинять и исполнять свои песни – это желание поделиться с обществом своими взглядами, (о взглядах судачить не будем). Другими словами донести до публики определенную идею.
Идея, концепция являются сутью искусства, его предназначением.
Качественные свойства этой идеи – универсальность, актуальность, философская глубина, оригинальность определяют художественный уровень произведения. Именно в этом состоит величие романов Достоевского, Толстого и Бальзака, Маркеса и Миллера и других.
В изобразительном искусстве, как правило, идея, эстетическая философия чаще всего присуща целому периоду или стилю, чем отдельной работе определенного мастера. Тем не мене, и отдельное произведение может нести в себе определенную концепцию, как «Герника» Пикассо, или работы Дали и Магрета, выполненным в стиле сюрреализма.
Те функции, которые приписываются религии, выполняют литература и кино, живопись и поэзия. (Мое поколение, родившееся и выросшее в коммунистической России, что такое хорошо и что такое плохо в детстве училось по Маяковскому, Чуковскому, Маршаку).
Зачастую и сами авторы становятся носителями передового мировоззрения. Это особенно ощутимо в условиях тоталитарных режимов, как, например, в коммунистической России. Во времена диктатуры Сталина неугодных писателей и поэтов казнили. Работы крамольных художников, типа Малевича и Филонова, сжигали.
Идея произведения определяет разницу между искусством и развлечением. Существуют многие формы сходные с искусством, цель которых развлечь публику, насмешить-порадовать, начиная от цирка и кончая грандиозными представлениями Лас-Вегаса. Кстати, голливудское кино называет себя entertainment industry, то есть: индустрией развлечения. Хотя следует признать, что грань между искусством и развлечением очень тонка.
Настоящее искусство отличается интеллектуальной глубиной и высокой моралью. Оно способствует демократизации, гуманизации и просветлению общества. Поэтому играет важную роль в социальном прогрессе.
Искусство – это совесть цивилизации.
«Высшее произведение искусства — это лишь тень Божественного совершенства».
Микеланджело, итальянский художник и скульптор
Ты знаешь кто такой Микеланджело? Нет-нет, это не Черепашка-ниндзя. Я говорю об итальянском художнике и скульпторе. Он жил во времена, когда Колумб открыл Новый Свет.
Существует история о том, как он закончил свою первую важную работу — «Пьету», ошеломляюще реалистичную скульптуру Марии, держащей безжизненное тело Иисуса, снятое с креста после распятия. Однажды Микеланджело случайно подслушал разговор зевак, которые спорили о ее авторстве. Один напыщенный человек из группы заявил, что автором является «наш Гоббо (горбун) из Милана».
Микеланджело был настолько глубоко возмущен, что кто-то другой получил признание за работу, над которой лично он трудился, что позже, тем же вечером, вернулся к скульптуре и высек свое имя и название своего родного города на поясе Марии.
Пожалуй, нет человека, который был бы равнодушен к признанию, когда он делает что-то значимое в жизни. Например, приносит победу в баскетбольном матче или получает высокий балл за тест.
А как насчет Бога, в Которого мы веруем? Как ты думаешь, хочет ли Он быть признан Творцом, создавшим жизнь на земле? Многие люди приписывают творческую силу природным процессам. Говорят, что жизнь произошла из первобытного «мирового бульона». Считаешь ли ты, что Бога раздражает, что Его не чествуют за великие дела? Может быть, Он очень хочет сказать: хобот слона — это реализация Моего замысла! И улыбка дельфина — тоже Моя идея. А ДНК?! Вы, конечно же, слышали о ДНК. Так вот, это тоже Мое уникальное изобретение».
Но вместо этого Бог, похоже, сохраняет самообладание, позволяя людям верить в то, во что они хотят верить. Интересно, что после создания своего шедевра «Пьета» Микеланджело никогда больше не подписывал свои произведения. Словно он перестал беспокоиться о получении признания и просто делал свое дело.
«„Бога нет!“ — сами себе говорят безумцы…» (Пс. 13:1).
Похожие истории
Они бросили жребий, и выпал жребий Матфию. Тогда он был сопричислен к одиннадцати апостолам (Деян. 1:26). Сегодня я желаю тебе, чтобы Вифлеемское дитя стало звездой, которая будет направлять каждый твой шаг. Думаю, лучший стих для декабря — Ин. 3:16. Это главный стих. Бог, выше Которого нет никого, так полюбил этот мир — наибольшее количество людей, что пожертвовал единственным Сыном Своим, — это … Продолжение
Чтения для подростков 25 декабря, 2021
В этот же день двое из учеников шли в селение Эммаус, расположенное в двух часах ходьбы от Иерусалима (Лк. 24:13). Все было кончено. Самая необычная Пасха в истории завершилась. Мечта о Царе, Который освободил бы народ от римлян, угасла. Надежда на Мессию осталась прибитой ко кресту, что казалось полным крахом. В то утро женщины и некоторые ученики рассказали, что тела в гробнице больше нет. Но горе и растерянность, переполнявшие Клеопу и еще … Продолжение
Чтения для подростков 24 декабря, 2021
© 2021 Copyright © 2020, Seventh-day Adventists Church | Церковь Христиан Адвентистов Седьмого Дня
Микеланджело начал свою карьеру с фальсификации предметов искусства и еще 5 удивительных фактов об итальянском скульпторе
Он начал карьеру с подделки
Будучи молодым скульптором, Микеланджело обратил на себя внимание важных меценатов, выдав одно из своих произведений за античную древнегреческую скульптуру. Когда ему было всего 19 лет, он создал ныне утраченную статую «Спящий Купидон», а сделал все, чтобы она выглядела как антиквариат. Молодой художник даже закопал мраморную статую в землю, чтобы она выглядела древней. Это не только позволило ему подороже продать свое произведение, но и привлекло к нему внимание.
Во времена итальянского Ренессанса копирование классических произведений искусства считалось демонстрацией таланта. Поэтому, когда кардинал Раффаэле Риарио, купивший произведение, обнаружил подделку, он не расстроился, а даже пригласил Микеланджело приехать в Рим и работать на него. Это положило начало карьере гения.
Он был поэтом
Мрамор «Давида» первоначально предназначался для другого
Статуя Микеланджело «Давид» стала символом искусства итальянского Ренессанса. Она была создана для украшения купола главного храма Флоренции. Огромные размеры скульптуры гарантировали, что ее будет видно на расстоянии. Но работа с мрамором была непростой, так как материал был дорогим и легко крошился. Мраморный блок, использованный для создания «Давида», звался «Гигантом».
Первоначально он предназначался для другого скульптора, но по неизвестным причинам тот никогда его не использовал, и камень стоял во дворе церкви почти 40 лет. Работать над этим мраморным блоком доверили именно Микеланджело, хотя ему было всего 26 лет, а к материалу присматривался даже Леонардо да Винчи.
Ему не нравилось подписывать свои работы
Интересно, что Микеланджело подписал только одно произведение своим именем. После приезда в Рим его попросили создать «Пьету». Это популярная в католическом искусстве сцена, где традиционно изображается Дева Мария, оплакивающую своего сына, Иисуса Христа, лежащего у нее на коленях. Скульптурная группа была завершена в 1499 году и сейчас находится в базилике Святого Петра. Чтобы доказать, как он горд своей работой, Микеланджело изваял пояс на груди Девы Марии со своим именем. Кажется, у этого украшения нет другой цели. Текст на поясе гласит: “Микеланджело Буонарроти, из Флоренции, сделал это”.
Биограф Микеланджело, Джорджо Вазари, уверяет, что художник добавил подпись после того, как работа была закончена. Он очень разозлился, услыхав, как его произведение приписывают другому художнику. Правда, позже он об этом пожалел, и даже поклялся никогда больше не подписывать свои работы.
Конечно, это не означало, что он не мог найти другие способы, продемонстрировать другим, что он является автором. На некоторых картинах, в том числе и на фреске «Страшный Суд», есть его автопортреты, например, в образе святого Варфоломея.
Нелегкий характер
Невероятный творческий гений и совершенство Микеланджело сделали его знаменитым даже при его жизни, но характер его был очень тяжелым. К примеру, Рафаэль, который рисовал знаменитую «Афинскую школу», в то время как Микеланджело работал над Сикстинской капеллой, был более приветливым. А с Микеланджело было довольно сложно поладить. Возможно, именно поэтому у него не было большого количество студии помощников, что было нормой в то время. Он предпочитал делать всю тяжелую работу самостоятельно.
Также было бы неразумно спорить с Микеланджело. Когда церковный чиновник Бьяджо да Чезена раскритиковал работу художника во время предварительного просмотра знаменитой фрески «Страшный суд», он обнаружил нежелательный сюрприз в окончательном варианте этого произведения искусства. Чтобы отомстить, Микеланджело использовал лицо чиновника для фигуры Миноса. Это существо обитало в аду и было судьей душ. Художник изобразил его с ослиными ушами и змеем, кусающим его за гениталии. Хотя чиновник жаловался Папе, ему ответили, что если бы Микеланджело изобразил его в Чистилище, то можно было бы что-то сделать. Но юрисдикция Папы не распространяется на ад.
Он был трудоголиком
Микеланджело прожил долгую жизнь, он скончался в возрасте 89 лет. Даже когда он состарился, то все равно работал, и последние десятилетия своей жизни был архитектором базилики Святого Петра. Если он был слишком слаб, чтобы присутствовать там лично, он передавал указания рабочим. И даже за шесть дней до своей смерти, он продолжал работать над скульптурами.
Неудивительно, что Микеланджело умер богатым человеком. Он работал на девять разных католических пап, хотя каждый из них, придя к власти, менял всех остальных художников. После смерти он оставил имущество, оцененное в 50 000 флоринов, что эквивалентно 35-50 миллионам долларов на сегодняшний день. Но гений жил очень скромно, несмотря на свое состояние, и гордился этим.