В середине 19-го века сложился и громко провозгласил свои принципы художественный реализм.
Очень трудно было выбрать живописный пример для этой темы. Реализм 19-го века очень разнообразен и представлен таким огромным количеством художников, что для раскрытия темы потребовалось бы немало глав.
Для этой главы я выбрал произведение немецкого художника Людвига Кнауса «Девочка в поле». Я выбрал его потому, что оно не принадлежит явно ни к реализму приземлённому, обывательскому, ни к реализму критическому, ни к подчёркнуто грубому натурализму, ни к сухим копировальным «прописям» академических реалистов. Его среднее положение в этом множестве реалистических школ очень удобно для общего представления о реализме без неуместной здесь искусствоведческой конкретики.
Жизнь до такой степени бесконечна вглубь, что простое «фотографическое» копирование, конечно, не выразит и самой малой части её содержания. Вот художники и ищут самые разные, самые ухищрённые приёмы передачи этой реальности, и очень-очень часто какое-либо отступление от «фотографического» подобия, наоборот, гораздо глубже открывает то, что действительно есть, но при буквальном копировании не видно.
Таким образом, дело не в манере. Вот почему, когда говорят о реализме как о направлении в искусстве, имеют в виду не манеру, а просто отход искусства от внеземной мистики, от парадного приукрашивания владык, от поиска выдуманных романтических идеалов и поворот внимания к действительной жизни простых людей, какая бы она ни была. То есть подразумевают не реализм манеры, а реализм темы.
Этот переход искусства произошёл в очень широком масштабе именно в 19-м веке. Почему? Здесь не место разводить политическую философию, но, очевидно, потому, что именно к этому времени человечество упёрлось в проблемы, решение которых прямо зависит от правильного понимания жизни общества.
Реалистическое направление искусства наиболее трудное, но и наиболее сильное. Найдутся люди, которые возразят. Как реалистическое направление может быть самым трудным, если оно просто берёт из того, что вокруг нас, тогда как другим направлениям приходится выдумывать, изобретать? Как оно может быть самым сильным, если то, что оно даёт, мы и без него видим вокруг и давным-давно привыкли к этому? Не сильнее ли те художники, которые дают нам небывалое и невиданное?
Отвечаю. Трудность реалистического искусства заключается именно в трудности превращения обыденного в художественный образ. Выдумать рогатого и трёхглазого космического пришельца гораздо легче, чем догадаться, что обычные паруса можно окрасить в алый цвет. Сила же этого искусства в том, что оно создаёт у всех абсолютную уверенность в действительном, несомненном, реальном существовании этого поэтического образа в нашей с вами жизни.
Нет сильнее искусства, чем реалистическое, если оно умело переплавлено в образ.
Галерейный подрамник вешается на стену без рамы в виде постера. Галерейная натяжка — вид безрамного оформления репродукций на холсте. Картина на холсте натягивается на подрамник, и закрепляется не на боковой стороне, как принято а сзади. На боковые стороны обычно попадает или часть изображения или специально напечатанное фоновая заливка цветом в тональности картинки (пожелания лучше уточнять по телефону). Холст аккуратно заворачивается в углах и выглядит прекрасно без рамы.
Выберите обычный подрамник для выбора рамы.
Материал картины: холст, масло
Художник: Людвиг Кнаус
Жанр картины: Фигуратив и сцены
Музей: Эрмитаж (Hermitage, St. Petersburg)
На этой очаровательной картине художник изобразил маленькую девочку, гуляющую в цветущем воздушными цветами летнем поле.
Ключевые слова: девочка в поле картина автор эрмитаж,
«Девочка на шаре» и другие: 10 шедевров на выставке Морозовых, которые привезли в Петербург из Москвы
В Главном штабе Эрмитажа открылась выставка «Братья Морозовы. Великие русские коллекционеры». «Фонтанка» рассказывает, какие шедевры приехали в Петербург из Москвы специально для этого проекта.
Ради выставки Михаила и Ивана Морозовых в Эрмитаж из московского ГМИИ им. А.С. Пушкина привезли 31 картину. Кроме того, портреты самих коллекционеров предоставила Третьяковская галерея. В Главном штабе открыли музыкальный салон, воссоздающий интерьеры одноименного зала в особняке Ивана Морозова в Москве. «Фонтанка» предлагает вспомнить главные шедевры собрания Морозовых, которые обычно можно увидеть только в столице.
1. «Бульвар Капуцинок в Париже» Клода Моне. 1873.
Картину, передающую вид из окна ателье Надара, показали на первой выставке импрессионистов в 1874 году — той самой, что была разгромлена критикой, и после которой появился сам термин «импрессионизм». Иван Морозов приобрел «Бульвар Капуцинок…» на три десятилетия позже у торговца картинами Поля Дюран-Рюэля, изначально верившего в новое художественное направление, и потому торговавшего импрессионистами по цене уже признанных художников. В 1907 году картина обошлась русскому коллекционеру в 40 тысяч франков.
Молодая актриса театра «Комеди Франсез» Жанна Самари до своего замужества жила недалеко от мастерской Ренуара на улице Фрошо и нередко позировала художнику. В Эрмитаже есть другой ее портрет, ростовой, написанный годом позднее — на выставке братьев Морозовых они экспонируются вместе. Полотно из ГМИИ до 1903 года находилось в собрании Поля Лагарда (мужа актрисы, сына биржевого брокера) в Париже, потом картину приобрел коллекционер Поль Дюран-Рюэль за 13 тысяч франков. А уже в 1904 году за 25 тысяч франков картину купил Иван Морозов.
3. «Кафе в Арле» Поля Гогена. 1888.
Картина появилась после того, как Гоген и Ван Гог отправились вместе в привокзальное кафе, где уговорили хозяйку заведения мадам Жину выпить с ними кофе. Естественно, лишь для того, чтобы нарисовать женщину за столиком. Гоген угольной палочкой (для скорости) зарисовал портрет, а сюжет вокруг выстроил уже свой — о жизни ночного кафе. Хозяйка заведения в его интерпретации сыграла роль своего рода «любительницы абсента» — но об этом она вряд ли узнала, потому что картина в окончательном виде была создана уже после отъезда Гогена из Арля. Коллекционер Иван Морозов приобрел полотно в Галерее торговца искусством Амбруаза Воллара, поддерживавшего неизвестных художников, в 1908 году. Где находилась работа до той поры — неизвестно.
4. «Девочка на шаре» Пабло Пикассо. 1905.
Картина написана в период творчества художника, переходный от «голубого» к «розовому»: речь как о предпочтительном выборе красок, так и о характере тем — после изображения печали и нищеты, человеческих страданий, художник обнажается к миру театра и цирка, одиночества странствующих комедиантов. Хрупкая фигура гимнастки, неустойчиво держащейся на шаре, противопоставляется грузной фигуре атлета, сидящего на кубе.
Произведение приобрела у художника в Париже в 1907 году американская писательница Гертруда Стайн, у которой картину выкупил галерист и историк искусства Даниэль Анри Канвейлер. Он в 1913 году перепродал ее в своей галерее Ивану Морозову — вместе со «Стволами деревьев» Андре Дерена.
5. «Арлекин и его подружка» («Странствующие гимнасты») Пабло Пикассо. 1901.
Герои картины — циркачи, пришедшие в парижское кафе, где их нанимали на работу. Их трагический образ — символ нелегкой судьбы людей, посвятивших себя творчеству. Картину у художника приобрел Амбруаз Воллар, а у того в 1908 году ее купил Иван Морозов. Цена полотна была удивительно низкой — всего 300 франков.
6. «Марокканский триптих» Анри Матисса, включающий в себя «Вид из окна. Танжер», «Зору на террасе» и «Вход в касбу». 1912.
Этот триптих художник составил непосредственно для коллекционера Ивана Морозова из своих картин, написанных во время путешествия в Северную Африку. Героиня центральной картины — сотрудница марокканского отеля по имени Зора, часто позировавшая художнику. Картины Морозов приобрел в апреле 1913 года близ Парижа, в Исси-ле-Мулино.
7. «Белая ночь. Осгардстран (Девушки на мосту)» Эдварда Мунка. 1902-1903.
Сюжет, написанный в городке неподалеку от Осло, — один из самых популярных в творчестве художника. Всего было написано семь авторских версий картины, они находятся по всему свету, первый вариант автор создал в 1900-1901 годах. Работа из собрания ГМИИ написана специально для парижского Салона Независимых 1903 года. На этом салоне картину и приобрели для российской коллекции.
8. «Лето в Нормандии» Пьера Боннара. 1912.
Эту работу художник написал на своей вилле «Ма Рулетт» неподалеку от Вернона, изобразив своих домашних, включая питомцев (например, собачку на руках у дамы в шезлонге зовут Убю). В 1913 году у художника эту картину приобрела парижская галерея Бернхейм-Жён. Холст еще пару раз перешел из рук в руки в течение года, и, наконец, в галерее Дрюэ его нашел Иван Морозов, купив за шесть тысяч франков.
9. «Портрет Ивана Абрамовича Морозова» Валентина Серова. 1910.
Знаменитому живописцу Валентину Серову, давно создавшему к тому моменту уже и «Девочку с персиками», и другие работы, портрет Ивана Морозова никак не давался. Понадобилось 16 сеансов, чтобы поймать особенности модели — позу, мягкость черт, усталое выражение глаз. При этом за спиной коллекционера автор изобразил одну из его покупок — натюрморт «Фрукты и бронза» Анри Матисса. Скорее всего, на его фоне Морозов, и правда, позировал.
10. «Портрет Михаила Абрамовича Морозова» Валентина Серова. 1902.
Михаила Морозова, промышленника, коллекционера и литератора, старшего брата Ивана Морозова, Серов писал на фоне мраморного камина в особняке на Смоленском бульваре. Двухметровая работа обошлась заказчику всего в одну тысячу рублей, притом портрет был написан, как отмечали современники, фактически накануне кончины коллекционера — в 1903 году того не стало в возрасте всего 33 лет.
Выставка с участием московских произведений пробудет в Петербурге до 6 октября. Параллельно в Москве проходит выставка, на которую произведения из своей коллекции предоставил Эрмитаж: на ней показывают собрание коллекционера Сергея Щукина. Туда, в частности, уехал «Танец» Анри Матисса. Известно, что после этого музеи выставками «поменяются», но сроки приезда щукинской выставки в Петербург пока не анонсированы.
Узнать подробности о собраниях Щукина и Морозовых и побывать в виртуальном Музее нового западного искусства, где предметы коллекции выставлялись с 1923 по 1948 годы, можно на сайте.
Слишком откровенные классические картины, способные смутить кого угодно
(Осторожно! Обнаженная натура).
«Леда и лебедь»
Если говорить о наиболее нескромном классическом сюжете, то заслуженную пальму первенства получит античная история о близости бога Зевса и прекрасной Леды. Согласно легенде, житель Олимпа явился к девушке инкогнито, в облике лебедя, но тем не менее умудрился вступить с ней в связь и даже завести потомство.
За последнее тысячелетие только ленивый не брался изображать сцену соития красавицы с птицей. Не миновала сия участь и великих – набивший оскомину сюжет эксплуатировали Буше, Микеланджело и даже Леонардо. Франсуа Буше в 1740 году предложил наиболее неприличную интерпретацию истории с демонстрацией анатомических особенностей, которые принято стыдливо драпировать.
Ранее предложил свое видение ситуации великий Микеланджело, который хоть и избежал излишней детализации, но все же не смог удержаться и изобразил пару прямо во время противоестественного межвидового соития.
На фоне всего этого картина Леонардо да Винчи кажется просто иллюстрацией к сказкам Пушкина для школьников младших классов. На его полотне все уже свершилось и Леда со скучающим лицом наблюдает, как из снесенных ею яиц вылупляются вполне здоровые годовалые малыши.
Нам эта идиллическая сцена кажется вполне приличной, но так было не всегда. Картины мастеров эпохи Возрождения были уничтожены в начале XVIII столетия престарелой фавориткой Людовика XIV маркизой де Ментенон как неприличные. Сегодня мы можем видеть весь этот разврат только благодаря поздним копиям.
«Брошенная кукла»
Французская художница Сюзанна Валадон творила в начале XX века. Она известна как автор множества замечательных картин, в основном воспевающих красоту женского тела в самых рядовых жизненных ситуациях. Несмотря на обилие обнаженных тел на полотнах художницы, лишь одно из творений Валадон вызывает у моралистов серьезные споры.
Картина «Брошенная кукла» в наши дни могла бы принести автору серьезные проблемы с педофилоборцами, но Валадон посчастливилось умереть в 1938 году, благодаря чему мы можем считать ее творение классикой. На картине изображена обнаженной совсем юная особа с начавшей формироваться грудью и детской прической с бантом.
История не сохранила для потомков описание этого полотна, но принято считать, что на нем изображено прощание с детством. Женщина с полотенцем, скорее всего, содержательница борделя, а ребенка готовят к встрече с первым в жизни клиентом. Название картине дала валяющаяся на полу кукла, очевидно, символизирующая сломанную судьбу. Впрочем, есть добряки, которые утверждают, что изображена мать, вытирающая дочь-подростка после купания.
«Похищение дочерей Левкиппа»
Великий голландец Питер Пауль Рубенс, известный своими прекрасными полотнами с тяжеловесными красавицами, в 1618 году представил зрителям свое «Похищение дочерей Левкиппа». На первый взгляд, между героями картины происходит удалая потасовка без всякого сексуального подтекста.
Но для тех, кто знаком с греческим мифом о братьях Диоскурах, совершенно очевидно, что раздетым блондинкам вовсе не до шуток. Второе название шедевра «Изнасилование дочерей Левкиппа» точнее отображает действие на картине.
В античной истории сыновья Зевса и Леды (смотри историю их странного рождения выше), Кастор и Поллукс, похитили дочерей царя Левкиппа Гилаиру и Фебу и по старой доброй традиции, завещанной отцом, надругались над ними. Закончилось все вроде плохо – все умерли.
«Монах в кукурузном поле»
Если от Рубенса и Буше можно ожидать чего угодно, то сдержанный и склонный к религиозным сюжетам Рембрандт удивил. Хотя, в принципе, его небольшой, но мастерски выполненный рисунок «Монах в кукурузном поле» все же перекликается с духовной тематикой.
В центре композиции изображены католический монах и некая дама, предающиеся греху в миссионерской позе где-то среди сельскохозяйственных угодий. Пикантность сюжета даже не в том, что монах нарушает свой обет целомудрия, а в приближающемся слева человеке с серпом, благодаря которому вечер вот-вот перестанет быть томным.
«Неосторожность Кандавла»
Картина Уильяма Этти, носящая скромное нейтральное название, «Неосторожность Кандавла», изображает совершенно неприличную историю из «Истории» Геродота. Полное название этого полотна, написанного в 1830 году, раскрывает всю неоднозначность изображенной на ней сцены: «Кандавл, царь Лидии, украдкой показывает свою жену Гигу одному из своих слуг, когда она ложится в кровать».
Сложно сказать, почему «отец истории» решил описать эту полупорнографическую историю в своем труде, но благодаря ей мы получили трудно выговариваемый даже опытными сексопатологами термин кандаулезизм. Суть этой сексуальной девиации заключается в потребности демонстрировать своего обнаженного партнера посторонним людям.
«Авиньонские девицы»
С полотна «Авиньонские девицы» гениальный художник Пабло Пикассо начинает свой переход к кубизму. Известно, что на создание картины художника вдохновил Поль Сезанн своей работой «Купальщицы». Изначально Пикассо назвал картину «Философский бордель» и многие считают, что на ней маэстро изобразил сценку из публичного дома в барселонском Готическом квартале.
Картина изображает пятерых обнаженных дам, которые в развязных позах ожидают своих клиентов. Мы долго думали о том, стоит ли включать эту работу в список пикантных полотен. Проще говоря, если изображенные на полотне геометрические распутницы будят в вас нескромные фантазии, то у нас для вас плохие новости. Но слова из песни не выбросишь и сюжет картины, для 1907 года, все же очень вызывающий.
«Арабский рынок наложниц»
Отличная картина французского классика живописи Жана-Леона Жерома, написанная в 1866 году, изображает сцену на восточном невольничьем рынке. Группа мужчин в богатых одеждах прицениваются к обнаженной рабыне, проверяя, судя по всему, правильность ее прикуса.
Сам Жером, вне всякого сомнения, знал толк в невольничьих рынках и их завсегдатаях, так как обожал Восток и не раз путешествовал в тех краях в поисках вдохновения. Современники находили «Арабский рынок невольниц» очень вызывающей работой и называли картину гимном похотливого доминирования мужчины над женщиной.
«Великий мастурбатор»
Великий сюрреалист Сальвадор Дали обожал неприличные картины и от его эротоманства нас спасает лишь манера написания его картин, знатно искажающая сюжет. Вот и с работой «Великий мастурбатор» не все так однозначно. Более того, если бы не название, никто бы и не понял о чем эта прекрасная картина.
Но, как бы там ни было, явно выраженный сексуальный подтекст в этом полотне есть. Лицо женщины в правой части картины, почти упирающееся в мужской гульфик, раздражало современников Дали и вызывало даже осуждение. Хорошо никто не знает, что изобразил мастер сюрреализма в центре полотна – возможно, там творится самый разнузданный разврат.
«Происхождение мира»
Созданная в 1866 году Гюставом Курбе картина с незамысловатым бытовым сюжетом не выставлялась более 130 лет из-за излишней анатомической достоверности. Более того, даже сейчас, когда удивить посетителей музея, в принципе, сложно, к этой картине приставлен отдельный охранник.
В 2013 году в СМИ появилось радостное известие – была найдена вторая часть картины, на которой видно лицо натурщицы. Тщательное изучение биографии автора и его ближайшего окружения позволило выяснить личность дамы. Так, небритая промежность оказалась собственностью Джоанны Хиффернан, любовницы одного из лучших учеников Курбе, Джеймса Уистлера. Вот такая вот трогательная история воссоединения.
Это далеко не единственные в истории живописи работы с ярким сексуальным подтекстом – во все времена классики любили завернуть что-нибудь эдакое, вполне в духе нашего раскрепощенного времени.
А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?
Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!
«Танец»: почему картина Анри Матисса доводила публику до белого каления
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
В 1908 году в мастерскую к Анри Матиссу заглянул русский промышленник и коллекционер Сергей Щукин. Он сделал художнику заказ на несколько картин для украшения своего московского особняка. Щукину хотелось получить что-то эдакое на тему танца и музыки. Матисс с радостью согласился, ведь в его голове уже довольно долгое время зрела идея некой аллегории на танцы.
При написании картины художник вдохновлялся русскими сезонами популярного на тот момент Сергея Дягилева, раскрепощенными танцами Айседоры Дункан, греческой вазовой живописью. Почти 4-метровое полотно изображали танцующих в хороводе девушек. Несмотря на то, что мастер упростил их изображение почти что до схематизации, все равно он смог передать экспрессию через цвета (хоть их было все три). Красный символизировал собой внутренний жар человека, объединяющий собой небо и землю, представленных синим и зеленым оттенками. Сам же хоровод олицетворяет экспрессию безумного XX века.
Кроме «Танца», художник написал картину в том же стиле «Музыка». Третье полотно под название «Купание, или Медитация» осталось незаконченным.
Перед тем, как отправить два полотна в Москву, их выставили на всеобщее обозрение в Осеннем салоне в Гранд-Пале. Несмотря на то, что в начале XX века художники, скульпторы и прочие творческие личности позволяли себе экспериментировать и переходить рамки дозволенного, картины Матисса вызвали бурю эмоций и негодования у публики. Простые небрежные линии, всего лишь три доминирующих цвета и (верх неприличия!) неприкрытые гениталии.
Сергея Щукина обвинили в безвкусице, назвали его собирателем мусора и чуть ли не сумасшедшим. Коллекционер испугался такого натиска и отказался забирать картины. Но уже через несколько дней, будучи на полпути в Москву, Щукин прислал Матиссу телеграмму с просьбой все-таки выслать ему картины. Он просил у художника прощения за свою слабость и трусость, но «причинные» места нужно было все-таки зарисовать.
После наступления Октябрьской революции и прихода к власти большевиков Сергей Щукин в спешке покидает Россию, но картины пришлось оставить. Полотна коллекционера отправились в Эрмитаж.
