картина картофельное поле дали
Жюль Бастьен-Лепаж. Сбор картофеля
Жюль Бастьен-Лепаж.Октябрь. Сбор картофеля.(Женщина, собирающая картофель) 1878.Холст, масло. 180,7 ; 196 см Национальная галерея Виктории, Мельбурн
Мы уже знакомились с вами с творчеством Жюля Бастьена-Лепажа.Мы смотрели две его работы: «Деревенская любовь» и «Сенокос».Сегодня познакомимся с работой «Сбор картофеля. писал эту картину в своей родной деревне Данвиллер, расположенной на северо-востоке Франции, в департаменте Мёз в Лотарингии. Название деревни (Damvillers) написано в левом нижнем углу картины прямо над подписью художника.
На картине показано простирающееся вдаль поле, на котором проходит уборка картофеля. На переднем плане изображена крестьянка, которая пересыпает собранный картофель из плетёной корзины в мешок.
Позади неё, в правой части картины находится другая женщина, собирающая картофель в корзину. Вдали видны фигуры других крестьян. Всё это происходит в пасмурный осенний день, небо затянуто облаками. Как и на другой картине крестьянского цикла Бастьен-Лепажа «Сенокос», линия горизонта на холсте расположена довольно высоко.
Картина была представлена публике на Парижском салоне 1879 года. Вскоре после смерти художника, в 1885 году, картина была приобретена его братом, скульптором Эмилем Бастьен-Лепажем.В октябре 1927 года картина была приобретена австралийским фондом Felton Bequest, основанным на средства, завещанные Альфредом Фелтоном (Alfred Felton), а в 1928 году она была передана в Национальную галерею Виктории.
Художник Василий Суриков так отзывался об этой картине в письме Павлу Чистякову, написанном в конце декабря 1883 года:
«Живу теперь в Париже. Приехал я сюда посмотреть 3-годичную выставку картин французского искусства. Встретил я на ней мало вещей, которые бы меня крепко затянули. Но, оставив все это, я хочу поговорить о тех немногих вещах, имеющих истинное достоинство. Возьму картину Бастьен-Лепажа «Женщина, собирающая картофель». Лицо и нарисовано и написано как живое. Все написано на воздухе. Рефлексы, цвет, дали, все так цельно, не разбито, что чудо. Другая его вещь, «Отдых в поле», слабее.
5 возрастов Сальвадора Дали: что надо знать о творчестве художника
С 28 января в московском «Манеже» работает выставка «Сальвадор Дали. Магическое искусство». Экспозиция обещает стать самой масштабной ретроспективой Дали в России – в Москву прибыли 180 работ из Национального музея «Центр искусств королевы Софии» в Мадриде, фонда «Гала – Сальвадор Дали» в родном для художника Фигерасе и частных собраний. Выбранный кураторами пласт произведений охватывает весь период творчества мастера и предоставляет возможность увидеть его наиболее полно – от ранних импрессионистических опытов 1910-х до зрелых работ 1970-х и 1980-х годов.
Дали начал рисовать, когда ему было три года, и не переставал работать вплоть до смерти его музы и супруги Елены Дьяконовой, более известной как Гала. За этот период художник успел попробовать немало сюжетов и техник – от традиционной живописи и скульптуры до авторского кино. В нашей статье мы разберем несколько работ с выставки Дали с точки зрения изменений не только стиля, но и возраста, проследим, как с годами и десятилетиями менялись картины неутомимого сюрреалиста.
«Портрет моей сестры» (1925) – 21 год
Холст, масло. 92 х 65 см. Фонд «Гала – Сальвадор Дали» © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
С самой юности Сальвадор Дали отличался эпатажным поведением: в школу он приходил с густо напудренным лицом и подведенными глазами, на переменах любил драматично броситься с лестницы, чтобы привлечь внимание одноклассников и учителей, а на уроках делал вид, что разучился писать. В 1921 году Дали переехал из Фигераса в Мадрид – поступать в Школу изящных искусств. Там он продолжил удивлять: например, заключил пари о том, что напишет картину для конкурса на высшую художественную премию, ни разу не коснувшись кистью поверхности холста. И действительно написал. Конкурсный сюжет был «набрызган» им на холст с расстояния в метр – работа в духе пуантилизма, написанная точками, в итоге действительно стала лучшей.
Пуантилисты недолго занимали сознание Дали. Вскоре художник увлекся метафизической живописью, таинственной и мистической. Она и вдохновила Сальвадора на этот портрет младшей сестры, Анны Марии Дали. Пустынный пейзаж в «Портрете моей сестры» отсылает к принципам живописи метафизической школы, предвосхитившей появление сюрреализма. Художники-метафизики стремились воспроизвести в картине ощущение сна – отсюда искажения перспективы и странные ситуации. Присмотритесь к кораблику за спиной Анны Марии: пришвартованный на суше, он и есть то самое абсурдное, случайное сновидение.
В 1926 году Дали исключили из Школы изящных искусств за плохое поведение. Художник уезжает в Париж, где знакомится с Пабло Пикассо и Андре Бретоном, лидером парижских сюрреалистов. Вскоре Дали c однокурсником по Мадридской школе Луисом Бунюэлем снимет фильм «Андалузский пес» (1929), основанный на их сновидениях. Абсурдный и бессюжетный, он в итоге станет важным произведением не только сюрреализма, но и всей эпохи, прошедший под знаком учения психиатра Зигмунда Фрейда, так любимого Дали.
«Пейзаж с загадочными элементами» (1934) – 30 лет
Дерево, масло. 72,8 х 59,5 см. Фонд «Гала – Сальвадор Дали» © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Встретив Галу в 1929 году, Дали потерял голову. На тот момент она была замужем за другом Дали, поэтом-сюрреалистом Полем Элюаром. К слову, именно он придумал уроженке Казани Елене Дьяконовой звучный псевдоним Гала. В 1934 году Сальвадор Дали и Гала женятся. Так начинается не только супружеский, но и творческий союз: Гала выступает менеджером художника, строго контролируя его финансы и монетизируя его эпатажные выходки. Тогда же сюрреалист Андре Бретон придумывает для Дали анаграмму – буквы его имени и фамилии легко складываются в Avida Dollars, или «Хочу доллары». Дали ее не опровергает – в том же 1934 году они с Галой впервые едут в Америку и делают анаграмму Бретона реальной.
К этому времени живопись Дали находится в переходном состоянии между метафизикой и сюрреализмом. Так «Пейзаж с загадочными элементами» объединяет в себе обе системы: это все тот же пустынный ландшафт, но он уже не так холоден, как в «Портрете моей сестры». В центре полотна изображен художник за мольбертом – это голландец Ян Вермеер, а точнее его образ из знаменитой картины «Аллегория живописи» (1666-1668). В иерархии любимых художников Дали выше Вермеера был разве что только Диего Веласкез – именно в его честь Дали отрастил свои знаменитые усы. Вермеер же появляется у него как аллегория абсолютного мастерства живописи и антитеза абстракции в искусстве.
Еще один важный персонаж — мальчик в матроске с обручем в руках. Этот образ явно вышел из работ метафизика Джорджио де Кирико: например, в его картине «Меланхолия и тайна улицы» (1914) обруч катает по улице маленькая девочка. У Дали же ребенок с обручем – это всегда автопортрет. Мальчик появляется и на картине «Портрет Галы с двумя ребрышками ягненка, балансирующими на ее плече» (1933). Он – символ наивности и инфантильности художника, особенно в противопоставлении с мудрой Галой. В руке ребенок держит кость: как и часто встречающийся в работах художника костыль, она является символом неразрывной связи с реальностью.
«Безумный Тристан» (1944) – 40 лет
Холст, масло. 26,5 x 48,5 см. Фонд «Гала – Сальвадор Дали» © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Во время Второй мировой войны Дали и Гала переезжают в Америку. Дали встречают персональной выставкой в Нью-Йоркском музее современного искусства с посвященной ему книгой, художник выпускает автобиографию, работает с Уолтом Диснеем над мультфильмом Destino. Несмотря на бурную деятельность, в газетах фотографии Дали подписывают словом «шоумен». «Мягкий автопортрет с жареным беконом» 1941 года поддерживает этот эпатажный образ. Ломтик бекона как раз и указывает на любовь художника к публичности – Дали завтракал в лобби Нью-Йоркского отеля Saint Regis. Висящая на костылях кожа – отсылка к автопортрету Микеланджело в Сикстинской капелле: великий мастер Возрождения запечатлел себя как одного из грешников со снятой кожей. Такая отсылка неслучайна – именно в это время Дали возвращается к вере, что он транслирует и через свои картины.
В 1944 году художник начинает еще один проект – сочинение либретто и оформление балета «Безумный Тристан» с хореографией Леонида Мясина, основанного на известной легенде о Тристане и Изольде. По задумке Дали, Тристан, сведенный с ума любовным зельем, представляет, как Изольда съедает его. Вспомните ребрышки на плече у Галы – та же самая связка еды и любви вновь артикулирована в этой работе художника. Мучающиеся от неразрешимого чувства, герои картины кажутся вывернутыми наизнанку и буквально изъеденными страданиями.
«Максимальная скорость Мадонны Рафаэля» (1954) – 50 лет
Холст, масло. 81 x 66 см. Национальный музей «Центр искусств королевы Софии» © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Пятидесятые годы отмечают начало периода так называемого ядерного мистицизма: Дали отрекается от своего «отца» Зигмунда Фрейда и объявляет себя последователем Вернера Гейзенберга и его принципа неопределенности на страницах пространного манифеста. Отречению от Фрейда и присяге Гейзенбергу предшествует серия работ, в число которых входит и «Максимальная скорость Мадонны Рафаэля». Это серьезная перемена в выбранном Дали курсе: теперь он познает не только свои сновидения, но и пытается осмыслить мир вокруг себя, раскладывая его на мельчайшие частицы.
В 1950-е Дали много работает над книжными иллюстрациями – в 1954 году он показывает свои листы для «Божественной комедии» Данте в Риме. Дали снова живет в Испании вместе с Галой – центром вселенной ядерного мистицизма.
«Дали, приподнимающий поверхность Средиземного моря, чтобы показать Гале рождение Венеры». Стереоскопическое произведение (1978) – 74 года
Холст, масло. 100,5 х 100,5 см (каждая). Фонд «Гала – Сальвадор Дали» © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Несмотря на преклонный возраст, Дали продолжает работать: неутомимый выдумщик добавил к своему портфолио логотип карамели «Чупа-Чупс», украшения и новые книги. В 1974 году он пишет пролог и иллюстрирует работу Зигмунда Фрейда «Моисей и монотеизм». Также в этом году происходит торжественное открытие Театра-музея Дали, который и сегодня можно посетить в родном для художника Фигерасе.
Тем не менее работа «Дали, приподнимающий поверхность Средиземного моря» была впервые показана на выставке в музее Гугенхайма в Америке. Это первое полотно художника в серии стереоскопических картин. После ядерного мистицизма художник серьезно изучает оптику и буквально возвращается к истокам, а именно к сюрреалистичным обманкам, характерным для искусства его юности.
Выставка «Сальвадор Дали. Магическое искусство»
28 января – 25 марта 2020
Центральный Манеж, Манежная площадь, 1
Билеты: 600 рублей – полный, 300 рублей – льготный
Фото обложки: Michael Ochs Archives/Getty Images
Сальвадор Дали (Salvador Dali) и его сюрреалистические картины
Сальвадор Дали – известнейший сюрреалист и один из самых влиятельных деятелей искусства 20-го века. К славе его привёл эксцентричный характер, уникальный талант и чрезвычайно творческий стиль живописи. С его картинами, созданными за более 70-летний период, можно ознакомиться онлайн.
Сюрреализм – полная свобода человеческого существа и право его грезить. Я не сюрреалист, я – сюрреализм, – С. Дали.
Формирование художественного мастерства Дали проходило в эпоху раннего модерна, когда его современники в значительной степени представляли такие новые художественные течения, как экспрессионизм и кубизм.
В 1929 году молодой художник примкнул к сюрреалистам. Этот год отмечен важным поворотом в его жизни, поскольку Сальвадор Дали встретил Галу. Она стала его любовницей, женой, музой, моделью и главным вдохновением.
Так как он был блестящим чертёжником и колористом, Дали почерпнул много вдохновения от старых мастеров. Но он использовал экстравагантные формы и изобретательные способы, чтобы составить совершенно новый, современный и инновационный стиль искусства. Его картины отличаются использованием двойных образов, ироничных сцен, оптических иллюзий, сновидческих пейзажей и глубокого символизма.
На протяжении всей своей творческой жизни Дали никогда не ограничивался одним направлением. Он работал с масляными красками и акварелью, создавал рисунки и скульптуры, фильмы и фотографии. Даже разнообразие формы исполнения не было чуждо художнику, в том числе создание ювелирных изделий и других произведений прикладного искусства. В качестве сценариста Дали сотрудничал с известным режиссёром Луисом Бунюэлем, который снял фильмы «Золотой век» и «Андалузский пёс». В них отобразились нереальные сцены, напоминающие ожившие картины сюрреалиста.
Плодовитый и чрезвычайно одарённый мастер оставил огромное наследие для будущих поколений художников и любителей искусства. Фонд «Гала-Сальвадор Дали» запустил онлайн-проект Catalogue Raisonné of Salvador Dalí для полной научной каталогизации картин, созданных Сальвадором Дали в период с 1910 по 1983 год. Каталог состоит из пяти разделов, разбитых по временной шкале. Его задумали не только для предоставления исчерпывающей информации о творчестве художника, но и для определения авторства произведений, поскольку Сальвадор Дали – один из самых подделываемых живописцев.
О фантастическом таланте, воображении и мастерстве эксцентричного Сальвадора Дали свидетельствуют эти 17 примеров его сюрреалистических картин.
1. «Призрак Вермера Делфтского, который можно использовать как стол», 1934 год
Эта небольшая картина с довольно длинным оригинальным названием воплощает восхищение Дали великим фламандским мастером 17-го века, Яном Вермеером. Автопортрет Вермеера исполнен с учётом сюрреалистического видения Дали.
2. «Великий мастурбатор», 1929 год
На картине изображена внутренняя борьба чувств, вызванных отношением к половому акту. Это восприятие художника возникло как пробудившееся детское воспоминание, когда он увидел оставленную отцом книгу, открытую на странице с изображёнными гениталиями, поражёнными венерическими заболеваниями.
3. «Жираф в огне», 1937 год
Это произведение художник завершил до переезда в США в 1940 году. Хотя мастер утверждал, что картина аполитична, она, как и многие другие, отображает глубокие и тревожные ощущения беспокойства и ужаса, которые, должно быть, переживал Дали в бурный период между двумя мировыми войнами. Определённая часть отражает его внутреннюю борьбу в отношении гражданской войны в Испании, а также ссылается на метод психологического анализа Фрейда.
4. «Лицо войны», 1940 год
Агония войны также отразилась в творчестве Дали. Он считал, что его живопись должна содержать предзнаменования войны, что мы и видим в смертоносной голове, начинённой черепами.
5. «Сон», 1937 год
Здесь изображено одно из сюрреалистических явлений – сон. Это хрупкая, неустойчивая реальность в мире подсознания.
6. «Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря», 1938 год
Эта фантастическая живопись особенно интересна, так как в ней автор использует двойные образы, наделяющие само изображение многоуровневым смыслом. Метаморфозы, удивительные сопоставления объектов и скрытые элементы характеризуют сюрреалистические картины Дали.
7. «Постоянство памяти», 1931 год
Это, пожалуй, самая узнаваемая сюрреалистическая картина Сальвадора Дали, которая воплощает в себе мягкость и твёрдость, символизирует относительность пространства и времени. В значительной степени она опирается на теорию относительности Эйнштейна, хотя Дали говорил, что идея картины родилась при виде расплавленного на солнце сыра Камамбер.
8. «Три Сфинкса острова Бикини», 1947 год
В этом сюрреалистическом изображении атолла Бикини воскрешается память о войне. Три символических сфинкса занимают разные планы: человеческая голова, расколотое дерево и гриб ядерного взрыва, говорящий об ужасах войны. Картина исследует отношения между тремя субъектами.
9. «Галатея со сферами», 1952 год
Портрет жены Дали представлен через массив шарообразных форм. Гала похожа на портрет Мадонны. Художник, вдохновлённый наукой, возвысил Галатею над осязаемым миром в верхние эфирные слои.
10. «Расплавленные часы», 1954 год
Ещё одно изображение предмета, отмеряющего время, получило эфирную мягкость, что не характерно для жёстких карманных часов.
11. «Моя обнаженная жена, созерцающая собственную плоть, превратившуюся в лестницу, в три позвонка колонны, в небо и в архитектуру», 1945 год
Гала со спины. Это замечательное изображение стало одним из самых эклектичных произведений Дали, где объединились классика и сюрреализм, спокойствие и странность.
Второе название картины – «Предчувствие гражданской войны». Здесь изображены предполагаемые ужасы гражданской войны в Испании, так как художник написал её за шесть месяцев до начала конфликта. Это было одно из предчувствий Сальвадора Дали.
13. «Рождение жидких желаний», 1931-32гг
Мы видим один из примеров параноидально-критического подхода к искусству. Изображения отца и, возможно, матери смешаны с гротескным, нереальным образом гермафродита в середине. Картина наполнена символизмом.
14. «Загадка желания: Мою мать, мою мать, мою мать», 1929 год
Это произведение, созданное на фрейдистских принципах, стало примером отношения Дали с его матерью, чьё искажённое тело появляется в далинианской пустыне.
Изображения создано для внутренней отделки помещения по заказу Элены Рубинштейн. Это откровенно сюрреалистическая картина из мира фантазии и снов. Художник вдохновился классической мифологией.
16. «Содомское самоудовлетворение невинной девы», 1954 год
В картине изображена женская фигура и абстрактный фон. Художник изучает вопрос о подавленной сексуальности, что следует из названия произведения и фаллических форм, которые часто появляются в творчестве Дали.
17. «Геополитическое дитя, наблюдающее рождение Нового человека», 1943 год
Художник выразил свои скептические взгляды, написав эту картину во время пребывания в Соединённых Штатах. Форма шара, кажется, символическим инкубатором «нового» человека, человека «нового мира».
От картошки как сакрального до картошки отчуждения
250 лет назад в «Трудах Вольного экономического общества» была опубликована статья «Примечания о картофеле» — первая научная статья на русском языке, разъяснявшая, как обращаться с незнакомым продуктом. Картошка появилась в России в XVIII веке, но уже в XX прочно заняла в культуре место одного из национальных символов. Похожим был путь картошки и в других странах. Игорь Гулин изучил, как искусство осваивало картофель, а картофель — искусство
Картошка как сакральное
Сосуды моче (I–VIII века н. э.)
Фото: Artemis Gallery
Обитатели западного побережья Южной Америки питались картофелем тысячелетиями. Разумеется, он играл важную роль в их религии и культуре. У инков была картофельная богиня Аксомамма, сохранились описания ритуалов, мифы. Однако самые древние изображения картофеля принадлежат культуре моче. Письменности у моче не было, от них остались росписи, украшения и прежде всего керамика. В частности сосуды, изображающие странных существ — многоголовых, многоглазых полулюдей-полуклубней. Считается, что цивилизация моче пришла в упадок к VIII веку из-за чрезмерного увлечения человеческими жертвоприношениями, и сосуды эти создавались именно в память о картофельных жертвах.
Картошка реализма
Жан-Франсуа Милле. «Анжелюс» (1859)
Первоначальное название: «Молитва о картофельном поле». Один из хитов французского реализма, картина Милле — произведение довольно двусмысленное. Одни считали «Анжелюс» образцом благочестивой религиозной живописи (сюжет: крестьянская пара прерывает работу, услышав церковный колокол), другие — смелым политическим высказыванием, призывом к солидарности с беднейшими. По одной из версий (ее главным адептом был Сальвадор Дали), на месте корзины с картошкой вначале был нарисован детский гробик, тогда смиренная благодарность героев лишь прикрывает траур.
Картошка модернизма
Винсент Ван Гог. «Едоки картофеля» (1885)
Фото: Van Gogh Museum, Amsterdam
Первый большой шедевр Ван Гога и самый знаменитый картофель в истории искусства. Свой крестьянский цикл, итогом которого стали «Едоки картофеля», Ван Гог писал под прямым влиянием Милле и в откровенной полемике с ним. Тут нет никакой сентиментальности, романтизации простонародного быта. Картофель тут — не просто один из элементов крестьянского мира, а универсальный ключ к нему: грубый материал, из которого вылеплены все его вещи и даже сами его обитатели.
Великая советская картошка
Братья Васильевы. «Чапаев» (1934)
Главные картофелины советской культуры — те, с помощью которых начдив Чапаев объясняет тактику ведения боя комбригу Еланю и комиссару Фурманову. В романе (а тем более в жизни реального Чапаева) этой сцены не было, она выдумана братьями Васильевыми. Образцовый герой сталинской культуры, протагонист «Чапаева» возникает из соединения народной удали и политической зоркости. В сцене с картошкой этот синтез разыгрывается как анекдот — идеальная приправа к пафосу.
Картошка как народный дух
Пабло Неруда. «Ода картофелю» (1955)
В 1950-х годах классик чилийского модернизма Пабло Неруда написал три сборника «Од изначальным вещам» — энциклопедию восхвалений всем возможным объектам: предметам, людям, животным, городам, погодным явлениям, философским понятиям, чувствам, частям тела. Во второй книге появляется картофель. У Неруды он корнеплод-тотем, благородный индеец, угнетенный и непокоряющийся, подземный брат народа, щедрый и всегда готовый к возрождению.
Поп-картошка
Клас Ольденбург. «Картофель фри и кетчуп» (1963)
Фото: © Claes Oldenburg
Хотя картофель фри называется по-английски french fries, к середине прошлого века он стал одним из главных элементов американского фастфуда и символом американской цивилизации. Расцветший в начале 1960-х поп-арт не мог пройти мимо этого блюда. Транспортацию его в пространство современного искусства взял на себя Клас Ольденбург. Массивная картошка фри с кетчупом из искусственной кожи входит в серию «мягких скульптур» — монументов предметам повседневного потребления, аляповатых и несколько жутких, как все лучшие произведения поп-арта.
Советская картошка: перезапуск
Марлен Хуциев. «Застава Ильича» (1964)
Фото: Киностудия им. М. Горького; Первое творческое объединение
Если главная сталинская картошка — в «Чапаеве», то главная оттепельная — в «Заставе Ильича». Первую расставляют на столе боевыми рядами, вторая рассыпается из горшка маленькой лавиной. Она разрывает джазовый темп богемной вечеринки (циничный флирт, разговоры о моде, пошлящий Тарковский) мелодией иного, возвышенного лада. За нее герой Валентина Попова произносит знаменитый тост. «Я серьезно отношусь к революции, к песне „Интернационал», к тридцать седьмому году, к войне, к солдатам, к тому, что почти у всех у нас нет отцов, и к картошке, которой мы спасались в голодные годы…»
Поэзия как картошка
Шеймас Хини. «Копающие» (1966)
. Свежий запах картофельного поля,
Хлюпанье мокрого торфа, короткий хруст
Перерезанных корней — оживают во мне.
Но у меня нет лопаты,
Чтобы пытать ту же судьбу.
Лишь авторучка пристроилась
У меня в кулаке.
Буду ею копать.
(Перевод Григория Кружкова)
В Ирландии картофель — герой национальной трагедии, Великого голода 1845–1849 годов, вызванного заражением картофельных посевов фитофторозом. Самый значительный из посвященных голоду текстов написан спустя век. Это поэма «На копании картофеля» из первого сборника Шеймаса Хини «Смерть натуралиста» — нечто вроде ахматовского «Реквиема» для ирландской культуры. В ту же книгу вошло еще одно знаменитое стихотворение — «Копающие». В нем работа поэта, охота за памятью уподобляются труду отца и деда, добывавших из земли картофель.
Картошка постмодерна
Зигмар Польке. «Картофельная машина» (1969)
Фото: © The estate of Sigmar Polke
Для пионера немецкого постмодерна Зигмара Польке картофель был одним из главных материалов (как войлок и жир для Бойса, над которым Польке целенаправленно издевался). Прибавка картофеля к любой модернистской практике моментально лишала ее претензии на серьезность. Польке рисовал экспрессионистских человечков, которых называл «картофельные головы», делал из картошки коллажи, построил из нее домик, пародирующий модную минималистскую архитектуру. Венцом этой работы была машина, имеющая второе название «Аппарат, при помощи которого одна картошка может вращаться по орбите другой». Материалы: барный стул, моторчик, проволока и собственно две картофелины.
Советская картошка как фарс
Владимир Высоцкий. «Товарищи ученые!» (1972)
– Товарищи ученые! Доценты с кандидатами!
Замучились вы с иксами, запутались в нулях!
Сидите, разлагаете молекулы на атомы,
Забыв, что разлагается картофель на полях.
Из гнили да из плесени бальзам извлечь пытаетесь
И корни извлекаете по десять раз на дню.
Ох, вы там добалуетесь! Ох, вы доизвлекаетесь,
Пока сгниет, заплесневеет картофель на корню.
Поездки в колхоз «на картошку» были для позднесоветских городских обывателей одним из самых ненавистных занятий — воплощением государственного принуждения. Попытки пропаганды и официальной культуры романтизировать эту практику, представить ее трудовым подвигом на благо народа или буколическим слиянием природы и города, неизменно терпели крах. Картофельная героика, само собой, порождала анекдоты и пародии. Песня Высоцкого — самая знаменитая из них.
Картошка отчуждения
Шанталь Акерман. «Жанна Дильман, набережная Коммерции 23, Брюссель 1080» (1975)
Фото: Paradise Films
Искусство как картошка
Джузеппе Пеноне. «Картофель» (1977)
Фото: Copyright of Archivio Penone and SABAM Belgium 2015
В движении арте повера Джузеппе Пеноне стоял особняком. Его товарищи в основном имели дело с рухлядью, тряпками и прочими отбросами культуры. Пеноне сотрудничал с природой. Одна из самых известных его работ — куча картошки. Некоторые картофелины не простые: Пеноне растил их в гипсовых формочках, слепленных с частей собственного лица (ухо, рот, нос), затем делал уже бронзовые отливки картофельных автопортретов и забрасывал в кучу. Искусство возвращается в землю. Граница между корнеплодом и человеком вновь расплывается — как у Ван Гога и как в сосудах моче.
Картошка как детская травма
Ян Шванкмайер. «Вниз в погребок» (1983)
В фильме чешского сюрреалиста девочка спускается в подвал многоквартирного дома набрать картошки. Там ее не ждет ничего хорошего: разнообразные обитатели подземелья норовят затянуть в свое грязное царство, сама картошка оказывает решительное сопротивление попыткам извлечь ее на свет. Как часто у Шванкмайера, «Погребок» — разом страшная сказка, готический хоррор, сеанс психоанализа и притча о жизни в тоталитарном обществе. Позже он говорил, что фильм — автобиографический: походы в подвал за картошкой были главным ужасом его детства.
Картошка как документ
Аньес Варда. «Собиратели и собирательница» (2000)
Замечательный поздний фильм французского классика — видеоэссе о собирательстве. Уличные бродяги, анархисты, эксцентрики, гурманы, художники путешествуют по полям, виноградникам, рынкам и свалкам, подбирая все, что оказалось за бортом индустрии и благополучной жизни. Разные формы маргинальности, ненужные вещи и странные люди, нужда и внимательность. Важную роль в сюжете играет и оставшаяся после сбора урожая картошка, составляющая основу рациона целого сообщества бездомных. Варда присоединяется к ним и начинает собирать картофелины в форме сердца.
Картошке еще есть что сказать
«Куда бегут собаки». «Осадок» (2011)
Фото: Куда бегут собаки
На экране идет медленный дождь из картошки. Когда зрители отворачиваются, картофелины открывают глаза. То ли экзистенциальное высказывание о невстрече, то ли исследование отношений человека и нечеловеческого, то ли тревожное политическое искусство (картошка, как говорят сами художники,— образ множества, противостоящий индивидуалистской разобщенности), то ли просто веселое упражнение в любимом екатеринбургской группой технодадаизме. В любом случае очевидно, что разговор человека и картофеля еще не окончен.