Искусство и творчество фотографии различие чем отличаются
Разница между искусством и творчеством
Многие считают слова «искусство» и «творчество» синонимами. И действительно, это в известном смысле родственные понятия. Однако заменить одно другим было бы неправильно. Попытаемся рассмотреть вопрос подробней и выясним, чем отличается искусство от творчества.
Определение
Искусство – это выражение явлений действительности в художественном образе; мастерство, достигшее высшей степени своего развития. Продукты искусства эстетически выразительны. Они представляют собой сращение истины и красоты.
Творчество – процесс, при котором в результате взаимодействия личности с действительностью создается нечто уникальное, новое, относящееся к материальной или духовной сфере. Творчество влечет за собой изменения как в действительности, так и в личности.
Сравнение
Итак, в том и другом случае создается определенный продукт. Но в чем состоит отличие искусства от творчества? Прежде всего в уровне исполнения этого продукта. Искусство предполагает рождение непревзойденного шедевра, яркого, сильного, не поддающегося тиражированию и серийному производству. Продукт творчества не обязательно совершенен. Пример – рисунок ребенка. Это, несомненно, творчество, но вовсе не искусство (хотя бывают исключения).
Другой важный отличительный критерий – способность созданного вызывать отклик у окружающих. В предмете искусства отражается то, что интересно не только автору, но и другим людям. Такое произведение имеет мощное воздействие. Оно пробуждает сильные эмоции. Это могут быть слезы или смех, ностальгическая грусть или внезапное воодушевление.
В искусстве содержится гармония. Человек, воспринимающий продукт искусства, чувствует в себе потребность к созиданию, испытывает желание действовать в положительном ключе. Творчество не всегда имеет такую силу воздействия. Мало того, его продукты могут вообще не выноситься на суд публики и создаваться исключительно в личных целях.
В чем разница между искусством и творчеством? Она состоит также в том, что занятие творчеством доступно даже для человека с посредственными способностями. Стремление создавать что-то более или менее ценное, вкладывая в это частичку себя, заложено в самой человеческой природе. Но людьми искусства могут называться лишь те, кто благодаря своему таланту и, конечно, трудолюбию способен представить творческую энергию в ее наивысшем проявлении.
Фотография — это искусство или ремесло?
«Настоящие фотографы. работают, чтобы выразить себя и прокормиться.»
Начо Лопес, мексиканский фотограф
Применительно к фотографии споры о том, может ли она считаться полноценным искусством, не утихают с момента ее возникновения. Это связано в первую очередь с широтой применения фотографии и относительной легкостью получения результата. Определенно большая часть снимков в мире обладает скорее практической, а не художественной ценностью. Например, изображения вещей, мест и архивных материалов делают не для любования ими, а для передачи информации. Поэтому не всякий фотограф может называться фотохудожником.
Фотограф
Профессия фотографа очень разнообразна. Большая часть людей, зарабатывающих на жизнь с помощью камеры, в основном все время занимается одним и тем же. Например, предметной съемкой и фотографированием людей для баз данных или документов. Творчества в такой работе нет, но тем не менее эти люди называются фотографами. Чуть больше воображения вкладывают в свои снимки фотографы мероприятий, свадеб и фотосессий для семейных альбомов. Но обычно они берут количеством, а не качеством, и выдают почти одинаковые шаблонные результаты, на которых меняются люди, но общее впечатление остается тем же.
Работа фотографа весьма утомительна. Ежедневные разъезды по разным местам с тяжелой техникой, капризные клиенты, ответственность за результат и долгая обработка данных настолько изматывают, что для творчества не остается ни времени, ни желания. Есть, конечно, мастера своего дела, которые могут превратить в искусство даже съемку веников для интернет-магазина, но таких очень мало.
Поэтому называть искусством шаблонные, ничем не примечательные кадры решительно нельзя. Это как сравнивать футболку из супермаркета с уникальным нарядом от кутюр. Фотограф, не воспроизводящий действительность в художественных образах, даже при большом опыте скорее является ремесленником, а не художником. Разница между ним и фотохудожником приблизительно такая же, как между парковым карикатуристом и Пабло Пикассо.
«Глаз художника часто останавливается на том, в чем обыкновенные люди не видят ничего примечательного; случайное солнечное пятно или тень, пересекающая дорогу, старый дуб или покрытый мхом камень способны пробудить целую цепь мыслей, чувств и образных представлений» (Ульям Генри Фокс Тальбот)
Фотохудожник
Если человек не фотографирует на свадьбах и занимается исключительно творчеством, тоже не значит, что через какое-то время он станет признанным автором и его работы будут покупать за миллионы. Художественные образы в фотографии создают не только для выставок искусства, но, например, и для рекламы, публикаций в СМИ и книгах. Чистого творчества в профессии фотохудожника практически не бывает. Потому что он тоже живой человек, которому нужны деньги.
На выставках современного искусства многие посетители с недоумением смотрят на представленные фотоснимки и заявляют, что могут так же даже на телефон снять прямо сейчас. Да, там может быть изображено размытое плечо модели. И это фото будет стоить очень дорого. Соотносить конкретный пример работы известного автора со своими фотографиями, сделанными на телефон, весьма странно. Этот автор прошел большой путь и достиг определенных высот, если его работы висят в достойном музее. И его имя уже говорит многое. Как минимум то, что он не только умеет фотографировать, но и ведет правильный образ жизни для того, чтобы считаться фотохудожником. Он сумел вложить в свои работы результаты своего осмысления действительности, интересные не только ему самому, но и другим людям.
«Художник — это человек, который пишет то, что можно продать. А хороший художник — это человек, который продает то, что пишет» (Пабло Пикассо)
Зачем рисовать, когда можно сфотографировать?
Содержание
Вы помните слова одного из героев фильма «Москва слезам не верит» о телевидении? Он утверждал, что в скором времени телевидение полностью вытеснит из нашей жизни и театр, и кинематограф. Точно так же многие приверженцы технического прогресса рассуждали о фотографии, которая должна была бы полностью заменить живопись. К счастью этого не произошло, и сегодня мы можем наслаждаться обоими видами искусства.
История возникновения фотографии
В основе различий между фотографией и живописью лежит не что иное, как возраст. Ну разве можно сравнивать умудренного жизненным опытом старца с беззаботным ребенком? Конечно же, нет, ведь между ними лежит пропасть длиной в десятилетия. То же самое можно сказать и об искусстве. Вот только между появлением первого рисунка и первой фотографии прошли не годы, а тысячелетия.
Как все начиналось?
Во многих источниках можно начти информацию о том, что датой рождения первой фотографии принято считать 1839 год. Именно тогда французский ученый Луи Дагер передал свои секреты получения фотографического изображения общественности. Взамен он потребовал самую малость, а именно пожизненную пенсию. Однако, работы в этом направлении велись и раньше. Так, к примеру, честь изобретения гелиографии принадлежит Нисефору Ньепсу. В 1833 году метод получения фотографий с помощью нитрата серебра был описан франко-бразильским изобретателем Эркюлем Флорансом. Одновременно с Дагером работы в этом направлении вел еще один ученый – англичанин Уильям Генри Фокс Тальбот, который изобрел калотипию.
Цветные фото
Несмотря на бесспорный прорыв, качество фотографий, похожих на негатив, не удовлетворило изобретателей. Практически сразу после появления черно-белых изображений, ученые начали работу над созданием цветных фото.
Изначально идея их получения основывалась на способности нитрата серебра изменять окраску под действием цветного излучения. Создателем этого направления оказался все тот же Нисефор Ньепс, однако, первым запатентовать открытие сумел американец Ливай Хилл. Следующим витком эволюции цветной фотографии можно назвать появление в 1905 году оборудования для фиксации красно-оранжевого участка цветовой шкалы.
Цифровая фотография
Чем отличается фото от живописи?
На первый взгляд может показаться, что два этих вида искусства имеют больше сходств, чем отличий. И действительно, и в первом, и во втором случае мы видим запечатленных на холсте или бумаге людей, события, пейзажи, натюрморты и т.д. Однако, на этом сходства заканчиваются.
Что такое «живопись»?
Картина – способ передачи изображений, которые сложно назвать достоверными. Создавая свои шедевры, художники далеко не всегда переносят на холст то, что видят в действительности. Трансформации может подвергнуться все, что угодно. Чаще всего это касается оттеночной палитры, которую художник подбирает по собственному усмотрению. Далеко не однозначной остается точность передачи черт людей при написании портретов. В особенности это касается известных личностей средневековья, образы которых было принято «слегка приукрашать». Добавьте сюда возможность воплощать на холсте вовсе не реальные картины, а фантазии художника, и описание основной концепции живописи можно считать завершенным.
Что такое «фотография»?
В фотографическом искусстве с точностью передачи сюжетов дела обстоят абсолютно иначе. На фото мы видим реальный мир. В некоторых случаях он может быть приукрашен с помощью профессиональной постановки или коррекции цвета, однако даже несмотря на это, он остается настоящим. С помощью фото очень сложно передать настроение и мысли автора, так как любое творение ограничивается действительностью.
Так почему же современную фотографию принято называть «искусством»? Дело в том, что профессиональные фотографы научились работать со множеством факторов. Изменяя ракурс, план, освещение, фотограф придает снимку особый смысл. Он создает вполне реальный, но при этом немного измененный мир, благодаря чему обычное фото превращается в шедевр.
Тандем живописи и фотографии
Начиная с 19 века истории живописи и фотографии развиваются параллельно, оказывая влияние и помогая друг другу. Как взаимодействовали эти виды искусства? Как оказалось, достаточно плотно.
Первыми возможности фотографии заметили художники-портретисты и мастера, работающие с пейзажами. Известно, что многие знаменитые живописцы стали писать картины не с живой натуры, а с фото. Такой уникальный подход к работе использовали Иван Шишкин и Илья Репин. При этом очень важным для художников было не только расположение отдельных деталей, но и оттенки. О какой цветовой гамме может идти речь, если на протяжении многих лет фотографии оставались черно-белыми? Все дело в том, что даже на таких изображениях сохранялась схема размещения и концентрации тонов, а значит ее можно было воспроизвести на холсте при помощи красок.
Еще одним интересным направлением работы живописцев с появлением фотографии стало расцвечивание черно-белых фото. Этим видом творчества в свое время овладел Михаил Врубель, который позднее работал практически во всех жанрах изобразительного искусства рубежа XIX-XX вв.
Эволюция живописи
Было бы совершенно неправильным сказать, что трансформации под влиянием технического прогресса подверглась только фотография. Изменения коснулись и живописи, которая прошла путь от первого примитивного наскального рисунка до оригинальности кубизма. За прошедшие тысячелетия успели развиться десятки направлений: итальянская живопись эпохи Возрождения, названная вершиной мирового художественного наследия, и барокко, классицизм и импрессионизм, модернизм и иконопись. Чаще всего полотна художников соответствовали тенденциям своего времени, а иногда и опережали его.
Известно, что к концу XIX века сформировались 2 основные концепции живописи, разделившие искусство на «высшее» и «низшее». К первой категории было принято относить мастеров, которые сумели довести свои навыки до совершенства. Их задача заключалась в работе над написанием портретов представителей высшего сословия и росписи церквей. «Низшими» считались художники, писавшие портреты для среднего класса буржуазии 19 века. Именно им фотография составила настолько сильную конкуренцию, что практически полностью вытеснила из мира искусства.
Чем интересна живопись сегодня?
В отличие от работ портретистов среднего класса, картины истинных творцов не канули в Лету. Этот вид живописи продолжил эволюционировать, благодаря чему появились совершенно новые направления искусства.
Абстракционизм – искусство, отказавшееся от естественной передачи форм в живописи. Абстрактные картины оставляют простор для поиска собственных ассоциаций, они заставляют думать, а не просто лицезреть.
Андеграунд – направление, в котором отрицается все традиционное. Эта живопись нарушает все принятые в обществе правила и противопоставляет себя им.
Импрессионизм – один из самых интересных стилей рубежа 19-20 веков. Мастера, работавшие в этом направлении, концентрировали внимание не на отдельных деталях, а на всей картине в целом.
Кубизм – одно из направлений модернизма, в котором изображение создается с помощью простых и сложных геометрических форм.
Итак, после исследований эволюции живописи и фотографии, становится очевидным, что оба направления искусства и сегодня остаются интересными, яркими и актуальными. Так что же все-таки выбрать – картину или фотографию? Однозначный ответ на этот вопрос можем дать только мы сами, ведь у каждого из нас есть собственное видение искусства!
Что такое художественная фотография?
Художественная фотография, что же это такое? Фотолюбители часто задают мне этот вопрос. Обычно прежде, чем…
Художественная фотография, что же это такое? Фотолюбители часто задают мне этот вопрос. Обычно прежде, чем ответить на него я делал глубокий вдох и выжидал небольшую паузу, чтобы собраться с мыслями. А затем начинал объяснять всё максимально подробно. Но со временем я пришёл к выводу, что лучший ответ – самый простой и короткий. И многим достаточно просто объяснить очевидные особенности художественной фотографии, чтобы дать представление об этой области искусства.
Главной отличительным признаком художественной фотографии от других областей фотоискусства заключается в том, что художественная фотография – это не просто фиксирование объекта и сцены на фотоплёнку или цифровой носитель. Использование фотокамеры для фиксации тех или иных объектов в тот или иной момент времени – это скорее фотожурналистика, а не художественная фотосъёмка.
Художественная фотография, прежде всего, это выражение того, как фотохудожник видит окружающий мир. В художественной фотографии важно не то что видит и фиксирует фотокамера, а то, что видит и хочет показать фотохудожник. Для фотографа, занимающегося художественной фотографией, камера – это инструмент для создания произведения искусства. В этом случае фотоаппарат выступает средством раскрытия художественного замысла фотографа, а не инструментом документирования того, что попало в прицел объектива
К примеру, известные пустынные пейзажи на полотнах Джорджии О’Киф – ничто иное, как выражение её видения окрестностей Нью-Мексико. То есть если мы разместим с десяток фотографов с камерами рядом с мольбертом О’Киф, получим ли мы одиннадцать художественных пейзажей одной и той же местности? Вряд ли. Скорее всего, в результате мы будем иметь одно художественное полотно и десяток фотоснимков, которые бы, несомненно, запечатлели снимаемую сцену, но не передавали бы художественный замысел их творца.
Восход солнца зимой в Сьерра-Неваде или Вид на Сьерра-Неваду из Лон-Пайна. Калифорния, Ансель Адамс,1944
Другими словами, художественная фотография должна содержать элементы управления вниманием зрителя, акценты, которые художники вкладывают в свои произведения для того, чтобы раскрыть замысел, который они хотели бы передать своим произведением.
Пожалуй, никто лучше Анселя Адамса не выразил эту мысль:
«Искусство подразумевает контроль над реальностью, ибо сама реальность не обладает чувством эстетики. Фотография становится искусством, когда в ней применяются определенные элементы контроля».
Таким образом, художественная фотография должна выходить за рамки буквального представления снимаемой сцены или предмета. Она должна выражать чувства и восприятие фотографа так чётко, чтобы с первого взгляда было видно, что этот снимок был создан художником, а не просто фотокамерой. Каждый элемент в кадре, каждый приём при обработке фотографии и даже способ и формат печати – всё должно выражать индивидуальность мировосприятия фотохудожника.
А что вы думаете о художественной фотографии? Поделитесь своими мыслями в комментариях ниже.
Больше полезной информации и новостей в нашем Telegram-канале «Уроки и секреты фотографии». Подписывайся! Читайте нас на Яндекс.Дзен «Секреты и хитрости фотографии».
Является ли фотография искусством? 2 930 слов читать
20 мин. Раздел в процессе наполнения и корректировки
Является ли фотография формой объективного искусства?
В продолжающихся дебатах о том, следует ли рассматривать фотографию как вид изобразительного искусства некоторые критики считают, что фотография создается с помощью научной техники, а не по-настоящему творческой операторской работой. В конце концов, они утверждают, что очень неэстетичный фотограф-любитель, вооруженный хорошей камерой, способен создавать совершенно приемлемые изображения. Напротив, человеку, который не знал, как рисовать, лепить или вырезать, было бы гораздо труднее создать приемлемую картину или статую. Из-за этого они утверждают, что фотография не может сравниться с творческим качеством живописи или скульптуры.
Другие критики не согласны. Они говорят, что именно потому, что фотография настолько отличается от живописи и скульптуры – применяется разная эстетика. Кроме того, они бросают вызов любому художнику предложением нарисовать картину, которая столь же неотразима, как хорошо составленная фотография. Например, снимок короля Карла I, обращающегося к толпе с эшафота, оказал бы гораздо большее влияние, чем картина той же сцены. А поскольку камеры фиксируют реальность, воздействие является важным компонентом операторского искусства. Наконец, даже если неподготовленному оператору камеры удастся сделать приемлемый снимок, он вряд ли будет соответствовать творчеству снимка, сделанного профессиональным фотографом. В результате всего этого, говорят они, фотография может быть не только одним из новейших видов искусства, но и даже «формой» современного искусства – прямым отражением современной научной эпохи.
Эти проблемы поднимались и обсуждались художниками и искусствоведами на протяжении как 19-го и 20-го веков. Советуем найти книгу Темса и Хадсона « Фотография: вся история» (2012) – незаменимую для всех, кто интересуется искусством на основе линз, информация из которой использована в этой статье.
Знаменитые художественные фотографы
Дайан Арбус (1923-1971), Фотографии фриков.
Дэвид Бейли (р.1938), Портретные / модные фотографии.
Сесил Битон (1904-1980), Портреты.
Роберт Дуано (1912-1994), Французский уличный фотограф.
Уокер Эванс (1903–1975), Портреты эпохи депрессии.
Юсуф Карш (1908-2002), Формальный портретист.
Энни Лейбовиц (р.1949), Портреты знаменитостей.
Ласло Мохой-Надь (1895-1946), Знаменит фотограммами.
Норман Паркинсон (1913-1990), Знаменит своими уличными портретами.
Фотографические изображения: частично-реальное, частично-воображение
Почему фотографические изображения так неотразимы? Тот факт, что многие из нас сейчас снимают фотографии еженедельно, даже ежедневно, не уменьшил магию личных снимков или работ, которые можно найти в галерее, музее или книге. Фотографии, помещенные в альбом или размещенные в социальных сетях, могут заставить нас смеяться вслух. Когда мы сталкиваемся с потрясающими снимками из истории фотографии, такими как фотографии Антарктиды начала 20-го века Герберта Понтинга (1870-1935), мы пленены. Изображения Понтинга из Британской антарктической экспедиции 1910–1913 гг. делают далекое прошлое волнующим настоящим. Тем не менее, эти изображения не являются просто историческими документами: ясно, что даже в таких сложных условиях фотограф был полон решимости не жертвовать ничем ради эстетического эффекта. Фотография относится как к сферам реальности, так и к воображению: хотя иногда она отдает предпочтение чему-то одному, она никогда не отказывается от своего влияния.
Фотографические процессы: дагеротипия, фотогеничный рисунок
Когда в январе 1839 года миру было объявлено, что можно сделать снимок, видимый в камере-обскуре (вспомогательное средство для рисования, которое проецирует то, что художник увидел на поверхность, с которой он может скопировать сцену), казалось, что не было предела человеческой изобретательности. Дагеротипия – процесс, разработанный во Франции Луи-Жаком-Манде Дагером (1787-1851) – позволил получить очень детальное изображение на маленькой металлической пластине. За январским объявлением о дагерротипе сразу последовали новости о другом фотографическом процессе, разработанном в Англии Генри Фоксом Тэлботом (1800-1877). Процесс Тэлбота, который он назвал «фотогеничным рисунком», привел к негативному изображению на бумаге, в котором было тепло и шум графического искусства. В то время как дагерротип был конечным уникальным объектом (негатива не было), фотогеничный рисунок мог быть использован для создания нескольких отпечатков в позитиве. С тех пор, как начались эти события, фотография колебалась между уникальностью и множественностью. Сегодня уникальная или ограниченная серия фотографий знаменитого художника может быть продана более чем за миллион долларов, и в то же время цифровая фотография – с ее, казалось бы, бесконечным тиражированием – уже играет фундаментальную роль в глобальном общении.
Художественные фотографии
Есть много тысяч важных художественных фотографий в государственных и частных коллекциях по всему миру, но большинство из них не делались с учетом художественной составляющей. Некоторые были предназначены для демонстрации того, что может сделать новый носитель; другие начинали жизнь как документы, записи или иллюстрации; только позже они были отмечены как предметы искусства. Некоторые фотографии, такие как исследование парижан, просматривающих затмение, Юджином Атгетом (1852-1927), обнаруживают сюрреалистическое в реальности. Другие, в том числе Автопортрет в образе утопленника (1840) Ипполита Баярда (1807–1877), играют со способностью фотографии представлять художественную выдумку как факт. Поскольку большинство великих фотографических изображений были приняты в качестве предметов искусства ретроспективно, их история не может быть рассказана со ссылкой на движения, школы и кружки.
Начиная с изобретения фотографии в 1839 году, вопрос об идентичности и статусе этого медианосителя обсуждался не в связи с технологическим происхождением, а с его отношением к визуальному искусству. Мало кто отрицал, что фотография была гениальным изобретением современной эпохи, но многие видели в этом угрозу традиционным ценностям, связанным с искусством. В обществе, символически разделенном между «джентльменами» (теми, кто использовал свой интеллект и воображение) и «операторами» (работниками физического труда, которые занимались бездумной механической работой), машина, которая делала картины, была вызовом существующему общественному порядку.
Фотография на бумаге
Отношение к фотографии как искусству
Популяризация фотографии в середине 19-го века привела к изменению отношения к ней. Практика калотипии в 1840-х и 1850-х годах в Британии и Франции стала свидетелем чрезвычайно высокой степени технических и эстетических экспериментов и достижений. Перед лицом быстрой коммерциализации и популяризации фотографии в 1850-х и 1860-х годах идея о том, что фотография может быть искусством – и что фотографы (взятые из более низких социальных слоев) могут быть художниками – для некоторых показалась нелепой. В 1857 году искусствовед и историк Элизабет Истлэйк высказала мнение, что фотография должна цениться, но только в том случае, если она не проявляет претензий, помимо рассмотрения «фактов». Несколько лет спустя французский поэт и критик Шарль Бодлер осудил коммерческую фотографию как «самого смертельного врага» искусства. Влиятельный искусствовед Джон Раскин, который восхищался верностью дагерротипии при использовании ее в качестве визуального пособия в Венеции в середине 1840-х годов, позже сказал о фотографии, что она «не имеет ничего общего с искусством и никогда им не станет». (Примечание: фотография дала новый импульс пейзажной живописи и собиралась почти полностью заменить портретное искусство посредством создания личной портретной живописи, но еще не была принята в качестве самостоятельной формы выражения.)
В 1860-х годах большинство коммерческих фотографов рассматривали технические качества, такие как четкость визуальной информации и безупречное качество печати, как способ продемонстрировать превосходство своих фотографических изображений. Эта техническая концепция совершенства означала, что для будущего профессионального фотографа фотография была искусством настоящего. Несколько известных людей отвергли эту ортодоксальность и рассматривали фотографию как средство для создания сложных переплетений идеальности и реальности. Самой известной из этих любителей была женщина, Джулия Маргарет Кэмерон (1815-1879). Кэмерон занялась фотографией в сорок лет и в течение следующего десятилетия создала большую работу исключительно по эстетическим соображениям. Она использовала дифференциальную фокусировку, драпировку для коробок и случайные реквизиты для создания мягких, теплых тонов портретов и рисунков, которые вдохновлялись библейскими, литературными или аллегорическими сюжетами. Вера Кэмерон в то, что именно она создавала искусство фотографии, была настолько смелой, а ее уникальная практика – скромным устремленем, показанным на выставках фотографического общества, что фотографическое сообщество характеризовало ее как несчастной и эксцентричной, не умевшей использовать оборудование должным образом.
Пикториализм
Однако только в конце 19-го века субъективность в фотографии приобрела более широкую культурную легитимность. Центральное место в международном движении, известном как «пикториализм», представители которого продвигали фотографию в качестве выразительного средства массовой информации. Пикториальная фотография характеризуется приемами и эффектами, заимствованными из графики и живописи. Хотя изображение Пикториалиста обычно получалось из четко определенного негативного изображения, часто обширные манипуляции в темной комнате, связанные с преобразованием изображения из этой жесткой реальности, означали, что каждый отпечаток может быть объявлен уникальным. Получающиеся изображения, часто напечатанные в ярких оттенках и выглядящие мягкими, туманными и похожими на сны, должны были вызывать эстетические, а не буквальные реакции. Многие произведения пикториалистов ссылались на высокую художественную серьезность современного Символизма, как видно, например, на фотографии Анны Бригман (1869-1950) « Арфа ветра» (1969).
Прямая фотография
Идея о том, что фотография может иметь собственную эстетику и основываться на качествах, характерных только для фото, была чрезвычайно убедительной для американских художественных фотографов, многие из которых отказались от пикториализма. Эдвард Уэстон (1886-1958) пришел к выводу о том, что творческая работа с фотографией должна проводиться не в темной комнате, а в «предварительной визуализации» фотографом объекта и его композиции перед тем, как показать негатив в камере. В 1932 году в Калифорнии была сформирована группа, занимающаяся продвижением прямой фотографии, известная как Группа f/64, в которую вошли Уэстон и Ансель Адамс (1902-1984). Уэстон с его почти абстрактными натюрмортами и обнаженными натурами и Адамс с его лирической пейзажной документальной фотографией продолжали доминировать в фотографическом искусстве в Соединенных Штатах на протяжении десятилетий.
Авангард
В Европе Первая мировая война оказала глубокое влияние на создание искусства. Рассерженные художники стремились разработать способы изобразительного выражения, которые могли бы передать кризис веры в традиционные ценности, который был вызван конфликтом. Первые нефигуративные фотографии, на которых запечатлены время, пространство и другие абстрактные концепции, были сделаны во время войны и этот дух радикальных инноваций послужил основой для создания авангардного искусства в 1920-х годах и в последующие годы. Как современная технология с демотическим подтекстом, фотография идеально подходит для того, чтобы занять центральное место на авангардной арт-сцене. Традиционная фотография, в настоящее время обычно принимающая форму отпечатков на серебряной основе с черно-белым изображением – использовалась Дада в Германии для работ социальной критики – см., например, фотомонтажи Дада Рауля Хаусмана (1886-1971), Ханны Хох (1889-1978) и Джона Хартфилда (Гельмут Херцфельд) (1891-1968) – а также конструктивизма в Советском Союзе, чтобы создать новые образные образы для нового общества; художниками-сюрреалистами, такими как Ман Рэй (1890-76) в Париже, в их визуальных шутках и исследованиях подсознания и на международном уровне модернистами, чтобы отпраздновать новые формы искусства и дизайна. Фотография подходила для этих самых разных эстетических задач, потому что она держалась за актуальность. Как современная технология, фотография прославляла современное и материальное. В качестве механистического записывающего устройства фотография придала творческий или иррациональный вес объективному факту. В таких идеологически противоположных странах, как Советская Россия и США, небольшое, но влиятельное число практиков-авангардистов стали рассматривать фотографию как идеальную визуальную среду для современной эпохи.
Подрывает ли коммерция искусство?
Возможно, фотография широко использовалась художниками-авангардистами, но это не значит, что они всегда признавали ее равенство с другими видами искусства. Частично из-за коммерциализации в форме портретов знаменитостей, рекламы и моды. Это беспокойство по поводу статуса фотографии разделяли биографы, искусствоведы и кураторы, которые скрывали коммерческие элементы карьеры фотографов, чтобы обеспечить себе признание в качестве художников. Сегодня общеизвестно, что основные фотографы парижского авангарда 1920-х годов – Ман Рэй, Андре Кертес (1894-1985) и Брассай (1899-1984) – все работали по заказу. Мэн Рэй, родившийся в Филадельфии как Эммануил Радницкий, переехал в Париж в 1921 году и зарекомендовал себя как иконоборческий новатор в живописи, скульптуре, кино и фотографии.
Гуманистическая фотография
Принятие фотографии как формы искусства
Одна из лучших в мире галерей современного искусства, знаменитый нью-йоркский Музей современного искусства (MoMA) был идеологическим домом модернизма – доминирующей авангардной эстетики середины века, которая охватила искусство, дизайн и архитектуру. MoMA провела важный обзор фотографии в 1937 году и в конце концов открыла свой отдел фотографии в 1940-м, однако статус фотографии как формы искусства все еще не был защищен. Джон Шарковский (1925-2007), который стал куратором фотографий в МоМА в 1962 году, стал наиболее эффективным в ассимиляции фотографии с модернизмом. По словам Шарковского, легитимная фотография была «прямой», демократичной по своему предмету и имела сильный формальный компонент. Фотографии были не произведениями воображения, а фрагментами действительности, наглядно организованными, чтобы отразить сильное личное видение.
По словам ученого Дугласа Кримпа, несмотря на то, что фотография была изобретена в 1839 году, она полностью раскрылась только к 1960-м и 1970-м годам. Кримп и другие члены его окружения критиковали потерю понимания, вызванную переносом фотографий из ящиков архива на стены художественного музея. Неизбежно, что этот критический интерес к фотографии, наряду с такими книги, как « Un art moyen» Пьера Бурдье (1965), « На фотографии» Сьюзен Сонтаг (1977) и «Лусидой» Ролана Барта (1979), послужил дальнейшему подъему фотографии с точки зрения ее культурного статуса. Книга Барта – весьма острый рассказ о его поиске «истинного» образа своей матери – является, пожалуй, самым влиятельным примером попытки определить фотографию в эссенциалистских терминах. В своей книге Барт сформулировал идею «пунктума», детали фотографии, которая вызывает у зрителя ощущение раны. Как и в модернистских представлениях о фотографии, он предположил, что фотография обладает уникальной природой, которая отличает ее от всех других визуальных средств.
Ряд художественных движений 1960-х годов и новых форм искусства сделали фотографию неотъемлемым элементом их подхода. Движения включали Fluxus (1960-е годы) и Pop Art (c.1955-70), а также Arte Povera (c.1966-71), в то время как новые формы искусства с использованием фотографий включали в себя инсталляционное искусство и перформанс. Одним из наиболее важных современных художников, который полагался на фотографию при создании своих работ, был Энди Уорхол (1928-1987); посмотрите, например, его принты с фотографиями кинозвезд, таких как Элвис и Элизабет Тейлор. Многие современные художники, включая Гилберта и Джорджа (р.1943 и 1942), также сильно зависят от использования фотографии. Интересно, что собственный фотографический портрет Уорхола, снятый в 1987 году Робертом Мэпплторпом (1946-1989) и проданный с аукциона Christie’s в 2006 году за 643 200 долларов остается одной из самых дорогих фотографий того периода.
Постмодернистская фотография
Конкурирующая концептуализация фотографии утверждает, что у нее нет врожденных характеристик. Утверждается, что ее идентичность зависит от приписываемых ей ролей и приложений. Эта теория фотографии принадлежит современной критике модернизма, известной как постмодернизм. (Примечание: см. также: Искусство постмодернизма и художники постмодернизма.) Желание еще раз увидеть искусство социально и политически занятым, а не принадлежащим к сфере творческой чистоты, привело ученых к работам Уолтера Бенджамина, критика и философа, который был связан с Франкфуртской школой в 1930-х годах. Утверждая, что фотографическая копия уничтожила «ауру» оригинального произведения искусства и что массы могли наслаждаться искусством через этот симулякр, фотография символизировала для Бенджамина возможность лишения культурной и, в конечном итоге, политической власти от национал-социалистов. В 1980-х годах левые теоретики начали переосмысливать историю среды с точки зрения того, как фотография была вовлечена в осуществление власти. (Власть и нагота, см. работы Гельмута Ньютона (1920-2004); освещение гендерных вопросов, см. работы Нана Голдина (р. 1953).) Понятие фотографической объективности было подорвано работами этих ученых и интеллектуалов, а также Жаном Бодрийяром, который бросил вызов идее предсуществующей реальности, которая просто захватывается или отражается визуальными средствами. По словам Бодрийяра, образы – это реальность, благодаря которой мы познаем мир.
Вывод: фотография – это искусство
Рассматривая некоторые интеллектуальные доводы, нынешний консенсус, по-видимому, заключается в том, что фотографии запечатлевают надуманный или преднамеренный момент реальности, и именно эта преднамеренность содержит художественное ядро. [См., Например, «постановочные» фотографии Джеффа Уолла (р. 1946), манипулируемые пейзажи Андреаса Гурски (р. 1955) или сюрреалистические автопортреты Синди Шерман (р. 1954)). Иными словами, искусство фотографа – это его способность запечатлеть момент реальности и превратить его в видимый образ интереса или красоты. Несущественно, что фотография может быть воспроизведена тысячу раз, тем самым лишив «оригинала» своего уникального статуса. Достаточно того, чтобы никакие два фотографа не могли создать полностью идентичное изображение. Художественное качество «изобразительного» образа, который, так сказать, «создан» в темной комнате, еще более обеспечен. Процесс оценки того, является ли фотография искусством, напоминает нам о том, что ни живопись, ни скульптура не являются настолько чистой формой искусства, как это иногда предполагается. Бронзовую скульптуру можно отливать и переделывать в большом количестве копий; и наше знание греческой скульптуры исходит не из оригинальных греческих статуй, а из римских копий. Кроме того, было подсчитано, что как минимум 1 из 10 картин, которые висят в лучших художественных музеях, являются копиями, а не оригиналами. В конце концов, камера вместе с темной комнатой и ее химическими веществами не так сильно отличается от кистей и красок художника. Это остается не более чем набором инструментов, с помощью которых фотограф пытается создать изображение: изображение, которое волнует нашу душу, также как и картины маслом.
Сегодня лучшие образцы художественной фотографии можно увидеть во многих музеях по всему миру, включая Музей Метрополитен, Нью-Йорк, (коллекции Штиглица, Штайхена, Уокера Эванса и Ford Motor Company); Музей современного искусства (MOMA), Нью-Йорк (коллекции, собранные Эдвардом Стейхеном, Джоном Шарковским и Питером Галасси); Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке (коллекция Роберта Мэпплторпа); Чикагский художественный институт (коллекция Альфреда Штиглица); Детройтский институт искусств (Галерея Альберта / Пегги де Саль); Музей искусств округа Лос-Анджелес (Отдел фотографии Уоллиса Анненберга); Музей искусств Филадельфии (30 000 фотографий таких фотографов, как Альфред Штиглиц, Пол Стрэнд); и Музей Виктории и Альберта, Лондон (500 000 изображений с 1839 года по настоящее время).
Для объяснения самых популярных используемых терминов, смотрите: Художественная фотография, Глоссарий